Noé Bermejo

ASISTENCIA artista. "ACHA/Julia Galán"

2012-01-16T14:45:00.000-08:00

El próxima día 3 de febrero se inaugura en la Sala más bonita de Valencia "La Gallera" la exposición de Julia Galán "acha"

Durante los últimos meses he estado trabajando con Julia mano a mano como asistente, ocupándome de la parte técnica de la producción fotográfica.

También me encargo de hacer las fotos de sala para catálogo como de documentar todo el proceso de montaje.

Mucha suerte el viernes Julia

vuelta al trabajo

2012-01-13T04:16:00.001-08:00

Llegué a Valencia desde Pontevedra como hace 8 años de mera casualidad, allí me hice adulto y allí empecé a trabajar como artista.

Valencia se fue convirtiendo en mi personal Ángel Exterminador. Había que irse.

Queda atrás la casa que dejó de ser un piso de estudiantes, compañeros que se convirtieron en familia, además muchos lastres.

nuevo taller estudio

mudanza Valencia/León

Aunque sigo pujando con muchas cosas. Cosas que no he podido dejar allí.

Ya todo ubicado y en su sitio, toca lo más difícil: empezar, buscar metas.

vuelta al hogar

2011-11-24T03:53:00.001-08:00

“Vuelta al hogar” es una pieza que lleva años pendiente de hacerse.

Se trata de una maqueta de la casa de mis padres hecha con tripa y cosido con oro.

La maqueta va montada sobre un trípode de madera precioso y una estructura de metacrilato opal retroiluminado, que recuerda a una jaula de pájaro.

La coyuntura personal la da aun más sentido. “Vuelta” no solo es el revés, sacar a fuera el interior, las entrañas, lo referido al material que utilizo.

El titulo es literal; Vuelvo a casa de los padres.

Tendré que terminarla en León, ya no me quedan tripas.

Será lo ultimo que haga en el taller de Valencia y lo primero que haga en Santa Martas.

Elegancia y SaberEstar. Totart10

2011-11-16T15:01:00.001-08:00

La exposición que aquí se presenta es el resultado de una nueva edición del proyecto TotArt, organizado por el Ayuntamiento de Picanya. La edición de este catálogo recoge los trabajos de tres artistas seleccionados para conformar una exposición colectiva, con la característica de abordar mediante lenguajes muy distintos modos de representación del cuerpo humano, donde se muestra lo que podemos ver a simple vista pero también mucho de lo que , aunque escape al ojo, condensa una información valiosa que el espectador deberá indagar.

César Ordóñez, mediante la fotografía, con su proyecto Kagami (espejo 'en japonés) aporta una visión muy estética de la feminidad insertado en el espacio público, que limita con los formatos de comunicación visual de la imagen publicitaria. Elena Cortés emplea frecuentemente el dibujo y el aceite para desarrollar la serie Seducción de lo prohibido, donde el erotismo y la representación del cuerpo de la mujer es llevado al límite, en alusión a la época del "destape", para invitar al espectador a recordar ya reformular los conceptos de la cosa autorizada y de la cosa prohibida.

Por su parte, con Autobiografía apócrifa, Noé Bermejo continúa el desarrollo de su proyecto performático, iniciado hace ya diez años, con el que ha creado una biografía fotográfica paralela metiéndose en la piel de los numerosos personajes que conforman un peculiar árbol genealógico.

Casi nada es lo que parece, por eso haremos bien en no conformarnos con las apariencias, pero para ello necesitamos disponer de los elementos de juicio suficientes que nos ayudan a constituir, en cada uno de nosotros, la opinión crítica sobre lo que vemos , escuchamos y leemos. Esto nos haría, en realidad, libres. No es fácil pero, primero, hay que desearlo.

José Luis Pérez Pont

Pacífica. Fanzine cultural ACAI

2011-10-25T03:22:00.000-07:00

Fanzine cultural ACAI.

Numero 14: Járdin de infancia

Octubre/ noviembre del 2011. Santander. España.

www.pacificafanzine.es

participo con una foto de la serie Elegancia y SaberEstar

muchas gracias Javier por contar conmigo

TotArt '10 - Col·lectiva

2011-10-17T00:37:00.000-07:00

Obres d'Elena Cortés, César Ordóñez i Noé Bermejo.

Sala d'Exposicions de Picanya

Del 21 d'octubre al 14 de novembre de 2011

Horari: dilluns a dissabtes de 18.00 a 20.00h i diumenges i festius d'11.00 a 14.00

La representación del cuerpo humano ha sido una práctica habitual en el arte de todos los tiempos: desde la representación esquemática del arte primitivo, pasando por los cánones griegos de la belleza clásica, la imaginería religiosa, el uso de la imagen del cuerpo como reivindicación social y política, hasta las últimas y sofisticadas recreaciones digitales. No hay duda de que la publicidad ha encontrado también en la representación del cuerpo humano una herramienta de atracción sobre el público, encaminada en este caso a estimular la promoción y el consumo de bienes y servicios. La provocación ha sido y es una vía efectiva para llamar la atención sobre los individuos, que viven rodeados de estímulos visuales constantes, con infinitas incitaciones y gastadas fórmulas que anuncian una satisfacción personal que no llega. En algunos casos, sucede que una campaña publicitaria debe retirarse por haber sobrepasado los límites de lo políticamente correcto, bien por lo que se muestra bien por la carga que sugiere. Muy frecuentemente, ocurren situaciones de censura y autocensura en el ámbito de la creación artística a cuenta de la representación del cuerpo humano y de la desnudez, algunas saltan a los medios de comunicación como denuncia de un tipo de excesiva presión sobre los creadores , pero la mayoría de los casos se resuelven en el silencio de la frustración. Sin embargo parece que no se aplican los mismos estándares cuando se trata de los contenidos televisivos. Es habitual encontrar en la programación series y películas, emitidas a las cuatro de la tarde, con una carga erótica que no se encuentra habitualmente en las salas de exposiciones, y con una profusión de carne mayor que la que se exhibe en los mostradores de cualquier carnicería. Pero parece que aquí no hay problema, se admite y se tolera, aunque el potencial de audiencia de un programa de televisión es en general muy superior al público que visita una sala de exposiciones. Esta situación no acierto a decir si es positiva o negativa. Podría ser positiva en el sentido de que la televisión no se espera ya gran cosa y, por tanto, la degradación de sus contenidos y la profusión de ciertos signos de mal gusto es interpretada como un mal inevitable que convive con este medio de comunicación de masas, mientras que del arte socialmente se espera todavía algo. Pero sería una situación negativa si la interpretamos desde el punto de vista de la existencia de una autoridad pública, encarnada por políticos habitualmente desconocedores de la realidad de la creación artística contemporánea, que deciden arbitrariamente cuáles son los límites que puede o no atravesar el artista en su proceso creativo y de investigación. En su aspecto más positivo, la estima social y pública para la creación contemporánea, para compartir la expresión artística de nuestros congéneres como un síntoma de sensibilidad y de educación es algo que, francamente, hace tiempo que vemos alejarse en el horizonte de la realidad española. El público responde masivamente al llamamiento de los museos cuando lo que se muestran son joyas de la historia del arte, pero suele responder con desinterés a la mayor parte de las propuestas de los creadores que hoy, con su trabajo, están ya escribiendo unahistoria que será seguramente valiosa para interpretar nuestro tiempo. Es ahora, en momentos de crisis económica, cuando con más énfasis conviene recordar que la cultura y la educación no son un lujo, sino aspectos de primera necesidad para construir la realidad y un mejor futuro. Quien hoy en día ostentan responsabilidades públicas deben ser conscientes de que el arte contemporáneo no es un ornamento y que su exhibición es más que un acto social, es una forma de transmisión de conocimiento, una forma de estímulo de la inteligencia colectiva.

José Luis Pérez Pont

http://www.picanya.org/persones/cultura/programacio/exposicions

ElTolito. Amigo, aqui hoy tienes regalo!

2011-09-07T01:38:00.001-07:00

En Diciembre de 2008 LaTejedoraCCEC organizaba la exposición-evento ElTorito, Artilugios para una España Cañí, en la que recreábamos las condiciones para reunir, junto con otros 60 artistas y espontáneos, el imaginario de lo español-cañí, rescatándolo en parte de algunos de sus antiguos y casi extintos paisajes naturales, y en parte de su nuevo hábitat, el del souvenir casi siempre kitsch.

Tres años después, la exposición-evento se rebautiza con el nombre de ElTolito.

participan:

Alfonso Borragán, Ángel Muñoz, Ángela Sánchez de Vera, Anna Katarina Martin, Aurora Cañaveras , Beatriz Sánchez, Carol Jiménez , Carlos Isla, Cristina Polop , Daniel Galván, Dolores y Remedios , Don Rogelio, Disseny etc. Taller de ideas, Elva Pérez, Enrique Ferrando y Edurne Herrán, Ernesto Rodera, Fermín Jiménez, Inés Casarejos, Iván Castro, Javi Álvarez, Javier Busturia , Juan José Martín, José Manuel Guillén , José Menor , Jorge López, Jorge Núñez, Jorge Tortosa , La Nena, Laura Castelló Carreras, LEFT hand rotation, Luis Demano, Lola Pascual, Majo G. Polanco, Marga G. Polanco, Maria José Carbonell, Marina Puche , Marti, Guillem Ciscar , Martín López, Miguel Porto, Natalia Blanco, Nerea de Diego, Nuria Diaz Berride, Pablo E. Soto, Pascal Letellier, Paz Tornero, Pepe Puche , Po Poy , Rafa Andrés López, Rafa Blanco, Rafa Morata y Mai Hidalgo, Rocío Álvarez, Roberto Martínez, Rolando Bruno, Salvia Ferrer y Óscar Mora, Sofia González, Vicenç Ramirez, Vicente Sivera Catalá, Viuda de Gutiérrez , Xelon, Yolanda Segura Domingo, Zoraida Zaro

organiza:

Alfredo Pardo, Ester Torá, Inés Parcero, Marta Pina, Mik Baro, Noé Bermejo, Sergio Luna, Sr.Imbécil, Tubal Perales,Yasmina Morán

Aquí mi participación en la expo, tres bonitas figuras de porcelana china.

Geishas ultramarino

Pusilánime7# Elegancia y SaberEstar

2011-04-16T07:32:00.000-07:00

Finalmente se han adelantado Martín y Jujo y mi Pusilánime será el numero 7.

Preparando mi colaboración con “Pusilánime” un proyecto de Marta Pina.

Intentaré ser el numero 5, después del amigo Mik, que finalmente se me ha adelantado.

La edición parte de la serie “Elegancia y SaberEstar”, que también dará titulo a mi numero de pusilánime.

Haciendo pruebas de impresión, probando papeles, gramajes y acabados…ya casi listo a expensas de que de el visto bueno Marta Pina.

Autobiografía Apócrifa # ESUM

2011-03-22T10:02:00.000-07:00

exposición organizada

por el Área de Artes Plásticas que tendrá lugar en la Sala

ESUM espacio para el arte Universidad de Murcia*, el día 17

de marzo de 2011, a las 20 horas.

Noé Bermejo

autobiografía apócrifa

catálogo aquí

Inauguración ES/UM

2011-03-21T03:39:00.000-07:00

No hay mejor asistencia que la de la de las Torá! Mil gracias MariÁngeles y Ester

curso de postureo en Murcia

“Autobiografía Apócrifa” de Noé Bermejo (2000/2010)

2011-03-20T15:18:00.000-07:00

“Autobiografía Apócrifa” se articula entorno a actitudes universalizantes, pero también grotescas, en una repetición infinita del mismo rostro, el del artista, disfrazado y reproducido indefinidamente, y por ello sustituible por el de cualquier otro, ironizando sobre todas las normas que rigen las representaciones que los sujetos realizan sobre sí mismos, desde los que se reproduce y construye el orden de cualquier discurso. En esta “familia” se entremezcla una historia social; la historia de la identidad individual y la de los códigos de representación, para conformar un discurso lleno de pliegues, que obliga a la interactividad conceptual y corporal del espectador. Rebatiendo de modo irónico el orden establecido así como sus relaciones de dominación, sus derechos y sus privilegios considerados naturales como consecuencia de su continua repetición sobre esquemas creados bajo una estructura muy estricta, que se transmite de generación en generación, dilatándose en el tiempo hasta ser asumida como neutra. Familia como matraz de relaciones y modos humanos. Familia, como caldo de cultivo donde los distintos elementos que la componen pierden en cierta forma su identidad individual para conjugarse en una amalgama amorfa y heterogénea, que ha de presentarse y resurgir como una forma sólida. Este proyecto parasita la fotografía del álbum de familia, sus ocasiones y sus liturgias: convertidas en estrategia práctica, cambiando su supuesta ingenuidad en todo lo contrario. Si el álbum de familia es un espejo que ha de devolvernos una imagen tranquilizadora de normalidad, eficiencia, decoro y orden; en esta “familia”, este espejo es uno de barraca de feria -que deforma, invierte y crea monstruos- que presenta un Yo deliberadamente antiheroico donde la identidad única e individual se presenta como el concepto inventado que es, creado para justificar un lugar en la sociedad. La idea del Yo como un espejismo que responderá siempre a un modo estereotipado y canónico que nos hará sentir especiales desde la autocomplacencia que el rol nos posibilitará. Y el álbum de familia como un catálogo de roles repetidos una y otra vez en cada una de nuestras casas. El retrato y la autorepresentación se convierten en la excusa para articular un proyecto que se genera desde una línea definida por el trabajo previo, para establecer además de una reflexión sobre la fotografía familiar y el acto fotográfico, un discurso sobre narraciones biográficas, la memoria y la construcción del sujeto. Planteando el conflicto existente entre los límites de la imagen y su influencia en la realidad con una colección de fotografías que se liberan de la memoria, evaporándose el índice. La cuestión de representar la realidad cede el paso a la construcción del sentido. En una depredación de imágenes, reciclando desechos icónicos para interrogarse sobre la recomposición de lo real. Este álbum de familia apócrifo que se han ido generando a lo largo de diez años está confeccionando por una serie de retratos que han transcendiendo de lo designado por el término imagen, a la fuga de la otra acepción de la palabra, al sentido que la vincula a la convergencia de algo ideal en un cuerpo físico, para convertirse en objeto de culto, deontológico: en objeto de veneración. De imagen a imaginería, como lo serían estas fotografías para la madre que las encumbra en el altar laico del aparador de la entrada de su casa. El retrato, el retratado y en este caso también el artista, para establecer un juego entre la realidad y la ficción, y entre el simulacro y el intersticio generado entorno al acto fotográfico; planteándose los límites de la imagen y de la fotografía como dispositivo narrativo para/y de la memoria, en uso de la fotografía que transciende al documento, a la documentación constatadora. “Autobiografía Apócrifa” es una recolección de imágenes que quieren ser reliquias, que quieren convertirse en fetiche.

Ágape # Elegancia y SaberEstar

2011-03-20T12:00:00.000-07:00

"Autobiografía Apócrifa" en Murcia

2011-02-27T23:50:00.000-08:00

Preparando todo para llevármelo a Murcia.

Inauguro el jueves 17 y aun ando así.

Estoy rodeado de cosas doradas, papeles adamascados y de esas cosas feas que tanto me gustan a mi.

Ménsulas, terciopelos, flecos, marcos de otra época, inmerso en el barroco más domestico y casposo. Una cosa fina fina fina fina fina fina fina

Los que van a morir te saludan. Galeria d'Art la Tira. Xativa. Valencia

2011-01-14T09:18:00.000-08:00

Que baje Dios y lo vea. Centro de gravedad permanente. Vigo

2011-01-09T03:37:00.000-08:00

El viernes 14 de enero a las 20.30 horas en el Centro de Gravedad Permanente (Marqués de Valterra 5, Vigo) gran inauguración de la exposición colectiva Que baje Dios y lo vea.

Comisariada por nuestra Inés Casarejos.

“Que baje dios y lo vea” es una exposición que gira en torno a la influencia del fenómeno kitsch en el arte contemporáneo. Los artistas que se muestran son jóvenes creadores que, tomando como punto de partida, como estética o como temática, el kitsch, obtienen resultados muy diversos.

Natalia Umpiérrez y Tamara Feijoó optan por el dibujo y Carlos Isla e Inés Casarejos prefieren las tres dimensiones.

El kitsch, olvidado por los críticos y teóricos del arte, es un fenómeno de gran importancia desde el mismo advenimiento de la era industrial. Siempre presente en nuestra cotidianeidad, es normal que su influencia en las representaciones artísticas sea notoria.

La palabra kitsch proviene del alemán kitschen, que significaba “barrer mugre de la calle”. Paulatinamente se fue asociando al gusto vulgar de la nueva y adinerada burguesía de Munich. Con el gusto de los nuevos ricos que podían alcanzar el status que envidiaban a la clase tradicional de las élites culturales, copiando las características más evidentes de sus hábitos culturales. Lo kitsch empezó a ser definición de un objeto estético empobrecido con mala manufactura, significando más la identificación del consumidor con un nuevo status social y menos con una respuesta estética genuina. Lo kitsch está asociado estéticamente a la idea de algo empobrecido y moralmente dudoso. La palabra se aplica al ámbito de la cultura por el teórico Clement Greenberg, en vinculación al uso de la literatura por las masas -que enjuiciándolo moralmente, intentó definirlo como un peligro para la cultura tachándolo de ser siempre versión devaluada-. Adorno también se referiría a este término en referencia a lo que él llamaba la “cultura industrial”, donde el arte es controlado y planeado por las necesidades del mercado y es dado a un pueblo pasivo que lo acepta. Lo kitsch unido íntimamente a la idea de algo que es comercializado. Un arte que no cambia y que es formalmente incoherente, pero que sirve para dar a la audiencia ocio y algo que mirar. Él clasificó lo relativo al kitsch en vinculación al arte como una parodia de la catarsis y parodia de la conciencia estética. Mientras que el arte para Adorno debe ser subjetivo, cambiante y orientado contra la opresiva estructura del poder

Ave Cesar. Galería Janete (Cuenca)

2010-12-20T09:26:00.000-08:00

Al igual que en los últimos doce años, como si se tratara de alguna especie de ritual de renovación, la Galería Jamete atraviesa el solsticio y penetra el 2011 con una nueva exposición colectiva. Se trata de un modo peculiar de reencontrarse a sí misma, de redefinir lo que su personalidad, por acumulación de experiencias, ha llegado a ser, y de abrirse al mismo tiempo a nuevos nombres, ideas y expresiones con los que seguir ensanchando su aparentemente reducido horizonte. En esta ocasión, por lo demás, el desembarco de novedades resulta especialmente llamativo: una veintena de autores participan en la muestra, con propuestas que oscilan entre una figuración renovada e impactante, con predominio del retrato (como en los casos de Alfredo Pardo, Jesús Ángel Bordetas, Daniel Galván, Eugenio Ocaña, Leonor Solans, Pedro Velver o Marina Puche), la escultura con resonancias pop (Víctor Arrizabalaga); la pintura de paisaje (con las escenas urbanas de Miguel Carlos, o los horizontes bordeando - traspasando - la abstracción de Martín Muñoz); composiciones informalistas (Rafa Morata, Santi Torralba, Carlos Codes y Cebaqueva); los collages de Marta Pina y los trabajos fotográficos de Santiago Torralba, Berrocal, David Murgui, María Villar o Noe Bermejo. Entre buena parte de ellos rige, además, un curioso vínculo generacional que puede ofrecer un panorama de nuevas preocupaciones y respuestas en el campo de la creación plástica.

Ahora que Cuenca parece ser un punto ligeramente más grande en el mapa - aunque no deje de sobrevolar esa sensación bien justificada de que las novedades, conforme a la fórmula lampedusiana, dejarán todo igual que estaba - quizás también puedan ensancharse unas paredes que siempre han sido mucho más amplias (casi como si no fueran paredes) de lo que podría parecer. Y si no, tampoco pasa nada. Hace dos años, en idéntica ocasión, escribíamos que Jamete encaraba el 2009 sin miedo a una crisis cuyo alcance apenas se intuía: esta galería ya estaba acostumbrada a esa palabra desde mucho tiempo atrás. Dos años más tarde Jamete sigue celebrándose a sí misma, y se aventura en los nuevos tiempos saludando con el mismo optimismo e igual sentido de la ironía: los que van a morir te saludan.

Texto facilitado por la Galería y/o Sala de Exposiciones

Bostezo

2010-11-27T08:20:00.001-08:00

Colaboro con cuatro imagenes, para ilustrar el texto de Maria Toledana "Nueva y Breve teoría de la clase ociosa", en el numero 4 de la revista bostezo "Economia eres tú".
Gracias Kike!

Ritual Comida Cultura: Blanca

2010-10-04T00:44:00.000-07:00

Taller internacional de Paisaje de Blanca, impartido por el artista Antoni Miralda.

Del 27 de Septiembre al 3 de octubre del 2010, en Blanca Murcia

con Violeta Nicolás, Alfonso Borragán, Nerea de Diego, Javier Busturia, Julia de Luis, Noé Bermejo, Roberto Martínez y Helí García

Culmina con una exposición de proyectos en un antiguo almacén de frutas y una intervención colectiva en el espacio público

«La comida, fantástica; la gente del pueblo nos ha abierto sus casas, la luz impresionante...; me he sentido muy feliz allí, sí», dice este defensor de «celebrar la vida»

manual gráfico y diseño web/ Rótulos Perelló

2010-09-06T01:42:00.001-07:00

En el 2007, mientras trabajaba en Rótulos Perelló, realizo una trasformación del logo de la empresa, que finalmente se termina convirtiendo en una trasformación total de la imagen de Rótulos Perelló.

Una vez realizado el manual gráfico se decide realizar la págian web de la empresa. Para este menester se cuenta con la ayuda de Yasmina Morán que se encargará de toda la programación, así como de asesorarnos con su criterio en el diseño de esta.

logotipo de rótulos perelló, versión fondo oscuro

Para la generación del logo se toma como partida la imagen de una bobina de vinilo, elemento omnipresente por todo el taller, así como la materia prima de una empresa de rotulación. La otra constante en el taller son los huecos y las letras recortadas que produce el ploter de recorte, por lo que estas dos imágenes se convierte en el eje de todo el diseño.

frames animación, entrada para al web

Tras analizar la amplitud de trabajos que se realizan en el taller, se confecciona un guión para la web y se comienza a documentar y generar todo el material que dará contenido a la web. Me encargaré durante de semanas, cámara en mano de recopilar por la ciudad rotulaciones y trabajos de la empresa.

Se organizan cinco menús con sus respectivas subcategorías, más dos etiquetas para contacto e información de la empresa.

Siguiendo con la misma estrategia de utilizar imágenes persistentes del taller, utilizamos como base del diseño de cada menú una serie de fotografías tomadas en el taller. Se realiza también una cortinilla para la transiciones animada, que hace referencia a los recortes de los vinilos con imágenes y letras, que también se utilizará para el escaparte del taller y el nuevo rótulo.

Como resultado conseguimos dar a la empresa una imagen más moderna y ordenada, con un diseño y una web que prioriza la imagen fotográfica, que se convierte en dossier de trabajos muy útil a la empresa tanto para promocionarse como para explicar a los futuros clientes posibilidades y acabados

http://www.perellorotulos.com/

Puntas de flecha_lonja del pescado de alicante

2008-11-30T22:33:00.000-08:00

links

portaldetuciudad.

alacalle

laverdad.

diarioinformacion.com/cultura

elperiodic

puntasdeflecha

En el uso de lo fotográfico

2008-11-30T22:32:00.000-08:00

“…Las fotografías (…) se reducen, se amplían. Recortadas, retocadas, adulteradas, trucadas. Envejecen, atacadas por la enfermedades habituales de los objetos de papel; desaparecen; se vuelven valiosas, se compran, se venden; se reproducen. Las fotografías que almacena el mundo parecen incitar al almacenamiento. Se pegan en álbumes, se enmarcan y se ponen sobre mesas, se cuelgan de paredes, se proyectan como diapositivas. Los diarios y revistas las destacan: los policías las catalogan; los museos las exhiben; las editoriales las copilan…”

Susan Sontag[1]

Madre

Gelatina de plata,coloreada con acuarela

2001. Pontevedra

Una idea de fotografía que transciende de lo que es designado por el termino imagen, que se fuga a la otra acepción de la palabra, al sentido que la vincula a la convergencia de algo ideal en un cuerpo físico. Para convertirse en objeto de culto, deontológico. En objeto de veneración, como lo es para la madre que la encumbra en el altar laico del aparador de la entrada de su casa.

“…esa reliquia infinitamente preciosa y frágil en la que la mirada va intentar descifrar la huella de lo ha sido…”

Dominique Baqué.[2]

Retratito de cartera

Gelatina de plata, virada y arrugada

2001. Pontevedra

La fotografía que transciende al documento, a la documentación, convirtiéndose en reliquia. Convirtiéndose en fetiche, en cuerpo físico de un concepto, de un ideal.

Madre

Gelatina de plata,coloreada con acuarela

2001. Pontevedra

La fotografía, entendida como algo que va mucho más allá de ser un mensaje sin código, de pura denotación. Donde a pesar de seguir siendo siempre huella, la presencia, la existencia que exige, no toma más o menos valor por ser real -en mi trabajo-.

“…La fotografía como certificado presencia...”

Roland Barthes[3]

Padre

Gelatina de plata,

2001. Pontevedra

[1] “Sobre la fotografía”. Edit. Adhasa. Barcelona, 1981.

[2] “La fotografía plástica, un arte paradójico” Gustavo Gili, Barcelona 2003, página 14.

[3] “La cámara Lucida, Nota sobre la fotografía”, página 151.

"...hijo, hazte un hombre..."

2008-11-30T22:30:00.001-08:00

"...hijo, hazte un hombre..."

Fotografía digital montada en moldura de espejo lacado en gris.

Metacrilato rotulado en vinilo y lacado en gris.

Estante con objetos de barbería.

León 2007

Rescato de la basura el espejo de una cómoda antigua. Se laca con aerógrafo junto al óvalo del interior en el metacrilato.

Se da empaque a la imagen en el 2009, exponiéndose por primera vez en "Despues de Usted" en Valencia

Durante la sesión de fotos, en el patio de Santas Martas, paralela a la sesión "la honra de la familia" aprovechando la calva generada para ese ilustre antepasado, cambio la faja que me comprimía para entrar el guerrera de la guardia real, por un cojín que hacia de buena barriga. Toda la familia al pleno colabora en la sesión.

Al fondo mi padre y mi hermano, como recreando la misma historia que yo estoy representado delante, pendientes del portafondo que se volaba por el aire.

Como siempre, Ester detrás de la cámara.

Verano de 2007

la honra de la familia (un invitado de honor)

2008-11-30T22:30:00.000-08:00

la honra de la familia (un invitado de honor)

150 x 75 cm. (exterior).

Fotografía. Impresión digital. Montada con moldura y metacrilato lacados gris.

León, 2007

Se da acabado a la fotografía con una moldura de poliuretano, rescatada del rastro de valencia. Se restaura completamente y Sergio aerógrafo en mano lo laca junto al óvalo del interior en el metacrilato, con la destreza que lo caracteriza.

Se da empaque a la imagen en el 2009, exponiéndose por primera vez en “puntas de flecha” en Valencia

"el tío,un invitado de honor"

10x155 cm. Fotografía. Impresión digital. Montada con moldura metálica.

León, 2006

Durante la sesión de fotos en el patio de Santas Martas.

Toda la familia al pleno colabora en la sesión. Al fondo mi made expectante, pendiente del portafondo.

Rescato del baúl de mi abuela la guerrera y la gorra de mi tío Ramón, cuando hizo la mili en la guardia Real.

Como siempre, Ester detrás de la cámara. Verano de 2007

Diseño Catálogo. tejer historias, vestirse de palabras. Maribel Doménech

2008-11-30T22:29:00.000-08:00

Durante el mes julio del 2009, Maribel Domènech expuso en la sala de la Universidad Jaume Primero de Castellón.

La exposición se titula “Tejer historias, vestirse de palabras”. EL proyecto expositivo se trata de un recorrido y revisión de piezas textiles realizadas por la artista desde diez años atrás.

Se me encarga la documentación y catalogación de todo este trabajo y posteriormente del diseño del catálogo. La documentación de las piezas se hace difícil, gran tamaño y muchas veces con luz propia. Luz negra, todo un reto para cualquier fotógrafo. Ester Torá colaborará conmigo en este cometido.

Trabajo todo el catálogo en continua supervisión de la artista. Quiere que el diseño de este se articule, al igual que el texto curatorial, alrededor de citas literarias persistentes a lo largo de su carrera como artista, pero dando importancia a las imágenes y las piezas.

El catálogo se divide en tres partes: El texto curatorial se maqueta en columnas alrededor de las citas litetarias, mientras que se va haciendo un recorrido por las piezas que componen la exposición, así como los antecedentes de estos trabajos. Toda esta parte se maqueta en blanco y negro.

La narración de julia Galán que va conduciendo el desarrollo de Maribel Domènch tanto por la exposición como por su trabajo anterior, se refiere gráficamente a las obras contenidas en el catálogo mediante la paginación. Los antecedentes que refiere el texto se ilustran con imágenes en BN desvaídas, cediendo importancia al texto y las piezas que forma la exposición.

Una segunda parte, que formaría el grueso del catálogo, hace referencia a las obras y procesos, se organiza con grandes fotos a sangre intercaladas con citas; en un orden no cronológico, haciendo referencia al itinerario de la sala y linealidad narrativa, se van intercalando las fotos de las piezas con fotos del proceso.

No ponemos fichas técnicas junto a las imágenes, al final del apartado de “obras y procesos” se utiliza una doble página donde se realizará una ficha técnica y créditos junto a miniaturas de la piezas.

La tercera parte del catálogo sería el espacio dedicado a las traducciones al castellano y al inglés, se respeta la misma metodología que en el texto principal, pero sobre un fondo gris y con una reducción de la tipografía. Para el currículum colocamos distintas columnas jerarquizando intereses.

Una vez más, todo un placer poder trabajar con Maribel.

invitación de boda

2008-11-30T22:28:00.001-08:00

Hace dos años se casaron Rafa y Ana

Me encargaron que les hicieran la invitación para su boda.

Partiendo del escaneado de una servilleta de lino , armo la invitación, que trata de emular el típico plegado de las servilletas de este tipo de banquetes

Impresas a doble cara con la textura del lino en papel crudo, hago las típicas alianzas de boda con dos manchans de vino, se pliegan por las mismas marcas de la servilleta escaneada, obteniendo algo parecido a un sobre que mientras se abre va revelando los datos. Los bordes del papel se envejecen con pequeños cortes y marcas de lija intentando emular las formas rugosas de las puntillas.

Los novios entregaron las invitaciones plegadas y sujetas con un alfiler y un papel vegetal que contorneaba la invitación en el se manuscribía el nombre de los invitados

lonja del pescado de alicante_ montando puntas de flecha

2008-11-30T22:26:00.000-08:00

SABER ESTAR el poder hipnótico de la dominación

2008-11-30T22:24:00.000-08:00

Cabello/Carceller, Naia del Castillo, Noé Bermejo y Greta Alfaro

del 29 de abril al 7 de junio 2010

Inauguración: jueves 29 de abril, 18h
Espacio Vault. Prato, Italia

Saber estar hace pues refencia de modo irónico al considerado orden establecido, con sus relaciones de dominación, sus derechos, sus atropellos, sus privilegios y sus injusticias considerados naturales como consecuencia de su continua repetición; a éste mecanismo asociativo de identificación que a modo de hechizo alcanza tanto al hombre como a la mujer, como seres individuales, como a las espectativas colectivas.

La obra de Noé Bermejo, Autobiografía apócrifa, cuenta con su cuerpo como principal arma de defensa, de ataque y mediación mediante el cual trata de entrar en comunicación con la madre y posteriormente como medio de reflexión sobre los atributos que sostienen la identidad. Se trata de un trabajo work in progress en cuyas fotografías el artista adopta diferentes roles sociales tanto como hombre como de mujer. En el proceso se somete a una operación quirúrgica que le hará cambiar su físico hasta el punto de parecer completamente otra persona, utilizando su cuerpo como documento mediante el cual subraya la influencia de la familia, religión, educación...

SABER ESTAR el poder hipnótico de la dominación (montando)

2008-11-30T11:23:00.000-08:00

Unas fotos del montaje de lo que ha sido autobiografía apócrifa en la galería Vault.

Directamente desde el avión empezamos a empapelar el espacio que se me había asignado. Una tarea dura pero bien satisfactoria. Un hermosísimo papel rosa estampado con lazos y flores. Se tuvieron que pringar con cola tanto Alba Brazza como Sara Vannacci y Francesco Funghi

A la llegada a Prato, Francesco ya había pasado por la casa de su madre y había robado las lamparas y algunos de los enseres que aparecen en la instalación, aun así tuvimos que dar un paseo a una espectacular tienda de segunda mano.

Esta vez 31 fotografías iluminadas únicamente por las lamparas colocadas dentro del montaje que generaban sobras y cierta penumbra que enfatizaba la idea de espacio intimo propio de la casa de la madre.

Mil gracias Alba, Fracesco y Sara por contar conmigo, la ayuda y la atención. Sois los mejores.

VAULT. Saber estar: El poder hipnótico de la dominación

2008-11-30T11:22:00.000-08:00

Alba Brazza comisaría "Saber estar: El poder hipnótico de la dominación" con Cabello/Carceller, Naia del Castillo, Greta Alfaro y Noé Bermejo. Inaugurando el espacio Vault en Prato, Italia; un proyecto de Sara Vannacci y Francesco Funghi

Saber estar. El poder hipnótico de la dominación reúne la obra de cinco artistas de origen español que con discreta subversión abren un diálogo/discusión sobre los esquemas de percepción creados bajo una estructura androcéntrica y cuya transimisión de generación en generación se sigue dilatando en el tiempo asumiéndose como neutra.

La exposición pretende ser propositiva, evitando la tentación de caer en una crítica teórica o en el entusiasmo de un posible cambio, sino que asume la existencia de una dominación simbólica que no se produce en la lógica pura de las conciencias conocedoras, sino a través de los esquemas de percepción, de apreciación y de acción que constituyen los hábitos y que sustentan, antes que las decisiones de la conciencia y de los controles de voluntad, una relación de conocimiento profundamente oscura para ella misma (P. Bordieu, La dominación masculina), haciendo presente a los diferentes agentes que contribuyen a su creación y permanencia: Estado, Escuela, Iglesia y Familia, produciendo, como diría Virginia Woolf, el poder hipnótico de la dominación bajo el cual nos encontramos.

la familia de "autobiografía apócrifa" rumbo a Prato

elegancia y saberestar

2008-11-30T11:21:00.000-08:00

Elegancia y SaberEstar se articula entorno a actitudes universalizantes, pero también grotescas, en una repetición infinita del mismo rostro, el del artista, disfrazado y reproducido indefinidamente, y por ello sustituible por el de cualquier otro, ironizando, en paralelo, sobre todos los códigos de representación que los sujetos realizan sobre sí mismos, desde los que reproducen y construyen el orden de cualquier discurso, y, por supuesto, el orden social.

La familia de Elegancia y SaberEstar entemezcla una historia social, la historia de la identidad individual y la de los códigos de representación que conforman un discurso relleno de pliegues, rizomático, que obliga a la interactividad conceptual y corporal del espectador. Rebatiendo de modo irónico el orden establecido, con sus relaciones de dominación, sus derechos, y sus privilegios consideradas naturales como consecuencia de su continua repetición -y en este caso institucionalizadas en el álbum familiar- sobre esquemas creados bajo una estructura muy estricta que se transmite de generación en generación dilatándose en el tiempo hasta ser asumida como neutra.

El retrato y la autorepresentación se convierte en la excusa para articular un proyecto que se genera desde una línea definida por el trabajo previo. Estableciendo además de una reflexión sobre la fotografía familiar y del acto fotográfico, un discurso sobre narraciones biográficas, la memoria y la construcción del Yo, del sujeto. Planteando el conflicto existente entre los límites de la imagen y su influencia en la realidad: generando una colección de fotografías que se liberan de la memoria, el índice se evapora.

La cuestión de representar la realidad cede el paso a la construcción del sentido, En una depredación de imágenes, reciclando desechos icónicos para interrogarse sobre la recomposición lo real.

El retrato, el retratado y en este caso también el artista, más los elementos que intervienen en esta construcción para establecer un juego entre la realidad y la ficción. El simulacro y el intersticio que se genera entorno al acto fotográfico, para plantearse los límites de la imagen y de la fotografía como dispositivo narrativo para/y de la memoria

Técnica: Foto/instalación de medidas variables Fotografía y mobiliario

Año 2009/ 2010 Medidas

Valencia

“Madre elegancia”/ " Padre elegancia"/“hijo elegancia” /“hija elegancia”/ “bebé elegancia”

Fotografía. Impresión digital.

Montada con cristal en moldura ovalada dorada

Fotografía: 27,5 x27 cm. Exterior: 33 x 27 cm.

Valencia 2009

“Carantoña elegancia”

Fotografía. Impresión digital.

Montada con cristal en moldura ovalada dorada

Exterior: 35 x 50 cm.

Valencia 2009

“Elegancia y Saberestar”

Fotografía. Impresión digital.

Montada con cristal en moldura labrada ovalada dorada

Fotografía: 26 x32 cm. Exterior: 29 x 27 cm.

Valencia 2009

Recibidor

Fondo de plato Acrílico,

230 x 380cm

Montado en portafondos

Valencia 2009

Foto de Milenne Trindade perteneciente a su proyecto " en el no lugar"

Milenne Trindade nos presenta En el no lugar, un proyecto en construcción que viene siendo desarrollado a partir del conflicto existente entre los límites de la imagen y su influencia en la realidad. Basando su interés en la relación que se construye entre el retratado y el escenario, se propone realizar un archivo con estos espacios de representación donde el duelo entre la realidad y la ficción lleva al cuestionamiento de los límites de la imagen y, a su vez, su consecuencia en la historia.

bebe elegancia

2008-11-30T11:20:00.000-08:00

madre elegancia

2008-11-30T11:14:00.001-08:00

padre elegancia

2008-11-30T11:14:00.000-08:00

hijo elegancia

2008-11-30T11:13:00.000-08:00

hija elegancia

2008-11-30T11:11:00.001-08:00

"De tripas corazón"

2008-11-30T11:10:00.000-08:00

Video/ instalación.

formada por dos conjuntos de ropa interior elaborados con tripa de cerdo, fotografía, video y bronce

Año 2007/2009

Los elementos que conforman la instalación se construyen y articulan desde un imaginario del artista relativo a la “matanza del cerdo”, hecho tradicional de su familia.

“doble arma”

Fotografías backlight montadas en cada de luz porta-radiografías,

instalada en el suelo 40x30x15 cm.

2007,Valencia

“20gr de sal por cada kilo de carne”

Video y audio multi-pantalla retro-proyectado

Bucle de 8minutos 2007,

Valencia

“Arma arrojadiza”

Corazón de cerdo realizado en bronce, a partir del molde de un corazón real.

2007,Valencia

“De Tripas corazón” es una pieza que se articula desde una narración biográfica, para establecer una reflexión sobre los roles en lo que depositamos aquello que nos da identidad, tanto social, personal como de género.

"El día del padre”/ “El día de la madre”

Conjunto de ropa interior masculino y femenino,

confeccionado con tripas de cerdo y cosido con hilo de oro.

En zona pectoral fotos de familia bordadas con hilo de oro.

Iluminado desde el interior

Colgado desde estructura de metacrilato

2007 (hombre), 2009 (Mujer) ,Valencia.

Una idea de identidad declamada desde el video amateur y la fotografía familiar, y que me sirven como materia prima y caldo de cultivo de todo mi trabajo.

El video del que parte esta pieza narra una liturgia de mi familia, la “matanza del cerdo”, combinándose y fundiéndose en una misma narración todo el registro específico de paradigmas y tropos que definen las películas de videoaficionado que graba a la familia, y la matanza del cerdo.

Juntándose en un mismo registro la imagen familiar articulada desde los valores de sociedad; y el entrelazado adyecto de vísceras y sangre, por un lado niños -los predilectos del fotógrafo de familia- y por otro, toda la liturgia gore de la mataza del cerdo.

El video original deriva en una reedición manipulada y malintenciona que aglutina una instalación escultórica, donde dos trajes de ropa interior confeccionados con tripa animal y bordados con hilo de oro, vuelven hablar de la intrincada red de símbolos y significados que sirven para hablar de la construcción del sujeto.

La ropa se constituye como un territorio más para la demarcación de la “opción elegida”. El traje que se convierte para el cuerpo en regulador, en signo de reconocimiento, de pertenencia, en mecanismo social, en estos dos conjuntos de ropa interior ( femenino y masculino) -el del padre y el de la madre- dejan de ocultar, proteger, preservar y aislar para hacer todo lo contrario… enseñan las entrañas; se confeccionan con tripas, de forma literal y también simbólica, en metáfora grotesca y corrupta que saca el revés del cuerpo…

Autobiografía apócrifa

2008-11-30T11:09:00.000-08:00

Marina Pastor escribe este texto sobre la pieza que ha estado expuesta en las Atarazanas de Valencia, en la exposición comisariada por José Luis Pérez Pont, Puntas de flecha y que aparecerá en el catálogo de la exposición. Me regala esta versión más extensa, intercalada con una pequeña historia biografía.

Gracias Marina.

Ha sido cosa de empezar y ya. Primera línea que escribo y me rompo la cara, porque no puedo aceptar esa seriedad genética de ancestros y familia. Me siento atrapada y traicionada porque ni siquiera soy yo quien lo dice, sino ellos, y dale con el “cómo te pareces a la tía Aurelia, si es que me parece estar oyéndola”, pronunciado con el tono severo y nostálgico que reclaman todos los muertos conocidos, y ella entonces se me aparece allí, en el fondo del comedor, con sonrisa de tomarme el pelo, y ahora de tomártelo también a ti, que ya no ignoras su condición de aparecida. Todo esto dura hasta las 8.15, momento exacto en el que las visitas deben retirarse o quedarse a cenar si es que no se puede negar la reiterativa insistencia del “hacemos cualquier cosa y así te ahorras el llegar a casa y ponerte a la faena”, y el “chica, si no nos cuesta nada” y el “si ya no vienes casi nunca y para un día que vienes”, tras lo que empiezo a intentar poner la sonrisa empastada y las excusas por falta de asertividad y porque no se me vayan a enfadar, abierto el cajoncito de los afectos llenos de polillas y agujeros en los bolsillos, mientras sin querer oigo carcajadas que proceden del fondo del comedor y que finjo ignorar.

La familia. Si analizamos las representaciones que solemos tener de la familia podemos comenzar afirmando, en primer lugar, que con la familia se procede desde una especie de antropomorfismo desde el que atribuimos a un grupo las propiedades de un individuo. Dejamos que la familia funcione como una unidad transpersonal dotada de una vida propia, de una visión particular del mundo. En segundo lugar entendemos que ésta existe como un universo social separado, orientado hacia la perpetuación de las fronteras de intimidad, separado de lo exterior por los secretos, como salvaguarda de la privacidad. Se suelen extender desde aquí modelos ideales de las relaciones humanas, basados en el amor: la familia es el lugar de la confianza. En tercer lugar, unificamos las familias por los iconos de representación que les son propios. Pero, en el fondo, todas las familias son disfuncionales. Todas repiten, repetimos, los mismos rituales afectivos de lamparita adamascada y hortera, de luz amarilla y mortecina en los comedores repletos de retratos, de penates, en cuyos fondos reposa la muerte congelada en un instante, esas formas que asume el pasado, pero también todas las determinaciones que proyecta el futuro, que ahora reciben la denominación de código genético y que se constituyen, después de todo, como formas de afectividad en las que se coagulan los grandes temas de siempre, los mismos tópicos y frases de conjunto, de amor pesado y asfixiante, sin espacio, de amor seguro e identidades trasnochadas y fraudulentas, hechas por la fijeza de una relación correcta, por la dificultad de romper con el sitio que nos ha sido asignado, por la repetición del espacio. Es en este contexto en el que podemos situar el trabajo que desde hace algún tiempo se encuentra realizando Noé Bermejo. En él, trabaja con la idea de familia y de fotografía familiar para desarrollar un discurso acerca de la identidad y de los atributos sobre los que se sostiene la idea de lo personal. En este sentido usa el término persona en un sentido casi etimológico. El término procede del latín (persona), y designaba la máscara que utilizaban los personajes teatrales. El latín lo tomó del etrusco (phersu), y éste del griego (prospora). La persona era la máscara utilizada en el teatro para hacerse oir (per-sona), y para, dada la condición universal del rostro máscara que le confería su capacidad de sustitución y su eliminación de las condiciones particulares de los rasgos fisonómicos de los actores, conseguir la identificación del público con el personaje, cuyos rasgos emocionales eran destacados mediante una mueca incluída en la máscara. Así se articulan sus personajes, siempre en actitudes universalizantes, pero también grotescas, en una repetición infinita del mismo rostro, el suyo propio, disfrazado, reproducido indefinidamente, y por ello mismo sustituible por el de cualquiera de nosotros, ironizando, en paralelo, sobre todos los códigos de representación que los sujetos realizan sobre sí mismos, desde los que reproducen y construyen el orden de cualquier discurso, y, por supuesto, el orden social. Desde aquí, las obras de Noé Bermejo, entemezclando la historia social, la historia de la identidad individual y la de los códigos de representación conforma un discurso complejo, relleno de pliegues, rizomático, que obliga a la interactividad conceptual y corporal del espectador.

Si hay algún campo que compartir, si hay algún tipo de clasificación no verbal en la que situar determinadas prácticas culturales, no pasan por la especificidad de un género artístico, sino por la afirmación de un territorio de actuación en el que poner en marcha un pensamiento crítico, y es así como funcionan las intervenciones de Noé Bermejo, nunca cerradas, ni siquiera en el recorrido que podemos realizar de las mismas, siempre abiertas e invitando a ir más allá, del espacio a la red, en la que continúan las posibilidades de creación narrativa, del colectivo al yo, para cuestionar nuestras propias prácticas culturales cotidianas, para establecer nuevos dispositivos en el que alterar la relación saber poder que reproduce la historia de la representación occidental y que articula un juego perverso entre la alta cultura, la cultura popular y la cultura de masas.

La Tía Aurelia, siempre era la primera en levantarse. Para cuando salíamos a desayunar ella, siempre plumero en mano sobre los retratos familiares del comedor, se desempolvaba su cabellera a modo de buenos días, y entonces reíamos porque nos recordaba a un indio de esos de las pelis de vaqueros que los sábados a media tarde emitían en la única y definitiva cadena televisiva, esos que siempre eran malos y que la edad adulta reveló en su historia inversa. Pero entre desayuno y desayuno la tía Aurelia destapó su auténtica naturaleza y comenzó a convertirse en cangrejo, piel anaranjada y caparazón. Lo notamos por cambios manifiestos en su conducta: abrió su arcón de flores años 60, se enfundó una minifalda de estampado psicodélico porque había decidido lucir la dureza de sus nuevas piernas y visitó la peluquería de Florita para exhibir unas trenzas rubio platino que combinaban a la perfección con su chaleco de flecos y su medallón símbolo paz. Poco después, y ante los comentarios de un vecindario que la miraba de forma extraña, calzo incluso en verano sus botas de plataforma o usaba sus pantalones acampanados.

La instalación Biografías Apócrifas recrea un espacio familiar común y habitable, el comedor de cualquier casa en el que se disponen las fotos de los miembros de la familia, enmarcadas, casi utilizando los usos de la imaginería religiosa, como un modo de hacer presentes momentos importantes en la vida de la comunidad familiar, y a las personas ausentes. (Hay muchos tipos de ausencia pero todas suelen estar provocadas por el paso del tiempo. La ausencia conlleva siempre alguna clase de muerte, sea literal o metafórica, es decir por crecimiento, sea forzosa o voluntaria). En ella remarca los rasgos decadentes de cualquier espacio en el que el presente adopta los rasgos estilíticos del pasado.

Esta idea de decadencia, queda reforzada por los empapelados, los tapizados, los estampados, los cortinajes, los entelados adamascados, elementos textiles y muebles con los que se decora una casa y que suelen mantenerse más allá del paso del tiempo y de las modas. La decadencia viene dada por reflejar los ambientes de los años 70 y 80, y los rasgos estilísticos se mueven entre un melodrama intuido y los atributos de la cultura de masas cañí, en algunos casos cutre lux, una mezcla entre lo tradicional y lo transgresor que se muestra además en ciertas desproporciones violentas de los retratos, tanto en el tamaño como en su gestualidad y en sus poses exacerbadas, que vienen a mostrar una sobreexposición de estereotipos, de unos personajes que no parecen saber siquiera que están en la historia, en las historias, esos personajes habituales del cotilleo familiar que realizan éste como sujetos, e ignoran desde su condición de objetos, y que quieren presentar con elegancia sus atributos y atribuciones, sus lugares de estancia, sus posiciones de poder, sus momentos estelares, su autoridad y autoritarismo, su espacio, en una red anudada de relaciones coaguladas y casi nunca variables, ancladas a pesar del transcurso del tiempo. Son imágenes de la cultura y la “sociedá” españolas, referencian casi documentalmente esos momentos en los que nuestra historia íntima se hace pública, con la inclasificable variante folklórica de un thriller, (la España goyesca de navaja y pandereta), pero también de un melodrama desdibujado en una especie de show que un narrador arriesgado, capaz de manejar con soltura metáforas salvajes, situadas entre lo inocente y lo radical, ha querido contar. Así la instalación realizada por Noe Bermejo se encuentra entre las fotos arregladas de la prensa amarilla, esas imágenes en las que los famos@s enseñan sus casas, y los retratos costumbristas y familiares, entre un estilo irreverente y satírico, y uno propio de la tragicomedia, moviéndose entre ambos extremos con un impecable dominio del ritmo (a veces pienso que la única diferencia entre las imágenes de la prensa del corazón y los álbums de fotos familiares reside en el reconocimiento personal concebido como máscara, y la imagen actuando a modo de espejo).

Nunca la familia comentó nada al respecto, quizás por cierto pudor, pero al mismo tiempo los retratos familiares dispuestos en el comedor comenzaron a rejuvenecer y a hacerse más vívidos. Todos finjimos no ver, ahorrarnos los comentarios mientras ella, por salidas trasnochadas, no amanecía limpiando el polvo, sino literalmente sacándoselo de encima cada mañana. Ya no había buenos días a los más pequeños, simplemente dejamos de existir mientras jugábamos a hacerla tropezar, con la maldad que caracteriza a los niños, por sospechas de fingimiento. Nunca lo conseguimos.

No existe la narración lineal, y los espejos nos devuelven nuestra imagen, pero invertida. Así, a pesar del orden del significante que la imagen visual intenta palpar, las narraciones que vamos reconstruyendo detrás de las imágenes de la instalación, detrás de los trabajos de Noe Bermejo, con su conversión en espacio más allá de la superficie, se van instalando en la borradura del sujeto, gracias al recurso a la redundancia, en una fuga psicótica de éste que nos lleva a poetizarlo desde su imaginario, desde nuestro imaginario: el vértigo de la repetición del autorretrato y su imposibilidad (en el fondo la imposibilidad de una identidad sustancial fija y/o universalizante), el trueque genérico, la dispersión, el anonadamiento por la exageración y el exceso, y su anclaje final en el vacío, en la imposibilidad de fijeza, van siendo hilvanadas por una estética en la que se aúnan las formas históricas del retrato y las formas del discurso sobre el sujeto y la identidad. Vamos allí encontrando una historia que revela su corrección y coherencia aparente en rostros, gestos, poses, que al mismo tiempo interpelan su condición post- aurática para entremezclarse con ese gran tema de la contemporaneidad: la cuestión del sujeto, su discutible razón, su múltiple paradoja, revertida y depositada en la materialidad de una instalación que es el ensayo en el que ir deconstruyendo su historia, y en esa travesía trazar toda una alegoría del fragmento, de la cita de los géneros, en un amalgama en el que no han principio ni final, sino sólo dobles, espejos y juegos de espejos enlazados a modo de pastiche.

Noé Bermejo consigue así compactar la referencia a la representación y el tema de la identidad en dos campos que se yuxtaponen: el signo gráfico y el cuerpo humano. La representación de los signos (figuras, objetos, iconos) dentro y fuera de las fotografías alude irónicamente al mundo de irrealidad que propone el dispositivo fotográfico, en la propia historia de la fotografía popular, en la contradicción entre el discurso y la propia realidad. Con ello la instalación y los trabajos realizados, de los cuales este sólo es una muestra, funciona como una topología transicional, capaz de establecer una eficiente transversalidad entre registros separados, disjuntos, usando para ello el valor potencial del autorretrato: la potencialidad de autoproducirse por participación en el acto visual se multiplica, se transforma en un yo para cualquiera, se conforma como un tremendo adolecer de identidad, de vida propia, de coerción idéntica que aqueja a los singulares en la era contemporánea.

Un otoño entre hojas tituladas, voces radiofónicas y telediarios se le murió Elvis. Para ese momento ya era completamente naranja, y sus ojos estaban saltones y andaba como de puntillas (no sabíamos si para disimular sobre su hora de vuelta a casa o porque en su metamorfosis no podía evitarlo). Y aunque es verdad para todos que un día indeterminado de nuestras vidas empezamos a morirnos en otras muertes,( cada vez que uno de los chamanes de nuestra juventud se va marchando, cada vez alguien se queda un paso atrás en nuestra historia), hay muertes ajenas que son definitivas. Esa mañana, según llegaba a casa a tiempo para el café y escuchar las noticias, la tía Aurelia salió a comprar el Hola con la excusa de adquirir el póster central con una foto de Elvis a todo color en el mejor de sus momentos. No regresó. Nadie salió nunca a buscarla, sobre todo si tenemos en cuenta que las rarezas siempre son algo incómodas en una familia normal, y que para ese momento nosotros ya nos habíamos acostumbrado a los misterios. Cuando decían algo los vecinos, salíamos con la vieja historia de la visita familiar al extranjero. Mi madre buscó sin éxito ese mismo día una foto suya con la intención de ponerla en el salón, junto a la de todos los que de repente habían vuelto a la expresión añeja, junto a las imágenes de momentos estelares de los niños ya fallecidos en su madurez, a las ideas de los muertos.

Hablar de historia de vida es presuponer, al menos, que la vida es una historia, y que una vida es el conjunto de acontecimientos que pueden ser relatados. En este magma suelen ordenarse una serie de acontecimientos desarrollados en una estricta sucesión cronológica. Así, el relato autobiográfico parece siempre proceder intentando extraer una lógica retrospectiva y prospectiva, una conciencia, una constancia entre estados que son considerados sucesivos, pero esto no es más que una ilusión retórica hoy plasmada en imagen en el seno de una cultura ya visual. Como institución la familia instaura un nombre propio y una red de relaciones que pretenden garantizar la constancia de los individuos designados más allá de todos los cambios, y los fija a una identidad duradera para legitimar y avalar el orden social. La cuestión es cómo este hecho resulta coercitivo y cómo nos dejamos fuera lo fundamental al tratar de comprender la vida como una serie única y suficiente en sí de acontecimientos sucesivos sin más vínculo que la asociación a un sujeto cuya constancia es la del nombre propio y la de aquellos paradigmas que la familia establece para guardarlo en una posición fija. Esto no es más que una ilusión biográfica, igual que la postfotografía incide en las condiciones de virtualidad ante la posibilidad de ausencia de referente real.

Como objetos las imágenes se encuentran en la encrucijada de la postfotografía: en ella la imagen fotográfica ha perdido el carácter documental para instalarse en el terreno de la duda, en una dimensión más especulativa, en el juego con lo virtual: pasamos con ello del espejo a la máscara, a otra forma de revelar la realidad que revela tanto como esconde, que desarrolla una fase crítica: la de escudriñar nuestros modelos de conocimiento. Con ello la instalación Autobiografía Apócrifa realiza la división de la fotografía y la memoria: si podemos inventar el futuro, también podemos hacerlo con el pasado, no ya por la propia idealización que la memoria conlleva (afortunadamente la memoria es selectiva y tendemos a suavizar en el recuerdo momentos duros del pasado, acción sin la cual el sufrimiento sería permanentemente presente), sino porque jugamos narrativamente a completar historias, a mentir sobre aquello vivido, a jugar con los hechos. Como objetos, las imágenes se conforman como el universo del que se ha retirado el sujeto, mediante ellas el mundo impone su discontinuidad, su fragmentación, su amplificación.

Postfotografía no en cuanto técnica digital: una forma artística no nace por la mera emergencia de una novedad técnica, ni siquiera por el descubrimiento añadido de un vocabulario formal asociado a ella, sino sólo cuando a una práctica de producción simbólica le es dado el ejercicio de autocrítica inmanente. El retrato no sólo ha desarrollado sus propios dispositivos de inscripción social, sino que también ha comenzado a autocuestionarse críticamente, a explorar, demarcar y transgredir sus propios límites lingüísticos y formales, su propia especificidad disciplinar, incluso su forma de socialización efectiva. Con ello la fotografía aquí no requiere el movimiento para instituirse como imagen tiempo. Está hecha de pliegues en los que cuestionar crítica y paralelamente el funcionamiento del tiempo, tiempo historia, tiempo identidad individual, tiempo del sentido establecido desde la proyección proyecto futuro. Cada una de estas instancias vehicula su propia línea de fuga hacia los cánones estéticos establecidos desde la alta cultura a la cultura popular de masas, hace huir a la especificidad de la imagen hacia el espacio de los objetos, instaura una revolución visual no en el contexto aislado y aséptico del desarrollo tecnológico, sino mostrando como la estandarización de la imagen produce en nosotros un efecto anestésico. Aquí la imagen fotográfica se libera de la memoria, el índice se evapora. La cuestión de representar la realidad cede el paso a la construcción del sentido, pero ¿es esto todavía fotografía? Con una aguda ironía Noe Bermejo se convierte aquí en un depredador de imágenes, un reciclador de desechos icónicos que demuestra tener la lucidez suficiente para interrogarse sobre la recomposición del rompecabezas de lo real.

Con todo, el ritual de penetración en la instalación Biografías Apócrifas no es lineal, ni simple, ni transparente, sino más bien opaco y teatral. Posee un escenario, el que se define por la narrativa del viaje que nos hace ir construyendo un argumento para la narración, el que hilvana cada intervención de Noé Bermejo con sus anteriores trabajos e incluso con los futuros, el que nos invita a participar en su blog, el que constituye su propia metodología de producción de acuerdo con la que comienza por lo que ya ha realizado para, desde ahí, entretejer nuevos ejes de significado. Con ello lleva a cabo una operación que parece inocente, pero es política: se produce la desterritorialización y la concepción del sujeto como intensidad, como intensidades, y en ello reside un tipo de insurrección: la pose fotográfica hace hablar al cuerpo retirado del sistema, si por una parte nos reconocemos en la “familiaridad” de la imagen, por otra nos distanciamos de ella. Con la mirada en la instalación de Noé Bermejo no buscamos ni el “punctum” ni el “studium” sino que integramos los retratos en la pluralidad de los códigos que los han asediado, parcelado, olvidado. Con ello iniciamos un pacto precario frente a un simbólico que reconocemos como hostil y agotado, como la huella de una historia, pero también de una memoria política, de un sentido. Los signos parecen enloquecer dentro de los cuerpos que los repiten en la imagen sin discutirlos. En este escenario ninguna cadena signica es lineal, sino que más bien toda operación de significación se pluraliza en una red de referencias múltiples, vertiginosas. Así se catapulta el viaje que realizamos hacia el interior del contrato simbólico de la representación y la realidad, una reinstalación en la exploración de la célula familiar y en la historia de esa célula que implosiona de la misma manera que explota.

La tía Aurelia fue mi primer fantasma. Yo seguí viéndola, ya trasparente, con su plumero en la cabeza, todos los días a media tarde. Después, y pasados los años, se vino a vivir conmigo, y ahora incluso le he preparado una habitación con una gran imagen de Elvis a todo color que he enganchado con chinchetas plateadas en la pared, justo al lado de su lamparita de tela adamascada. Muchas veces me acompaña, y con el respeto que corresponde a las noches que no quieren estar solas fuera de casa, desaparece en el mismo momento en el que la mano se hunde en otras cabelleras y se escucha el suave susurro somnoliento. Antes de salir la tía Aurelia me mira, me acaricia con cierto dejo de nostalgia, y se va, no sin antes esbozar una maligna sonrisa, para aparecer al día siguiente, con el primer cigarro y escapando de mi bolso, justo en el momento de respirar hondo el aire de la calle, de nuevo y como antes, temprano. Al llegar a casa, en cuanto el agua ha facilitado el olvido, y mientras ella coge el plumero, escudriño mis piernas al secarlas, por aquello del parecido familiar, para comprobar con deseo y repulsión si han comenzado ya a ponerse anaranjadas.

Es necesario en una sociedad que la muerte esté en alguna parte. Si ya no está en lo religioso, deberá estar en otra parte, quizás en esos altares familiares que rinden culto al pasado, que se proyectan hacia el futuro, como flechas. Este es quizás uno de los ejes centrales de una trayectoria peculiar propia y extremadamente contemporánea que dota a los trabajos de Noé Bermejo de una gran proyección futura, de un constante estilo personal y peculiar, que les da una gran validez y originalidad. En ellos, en ese triple cuestionamiento, familiar, social, individual, coagulado en una crítica a la propia historia de la representación, a nuestros modos de percibirnos como sujetos identitarios, pero también a nuestras maneras de contar historias, Noé Bermejo parece querer mostrar tanto el encanto de la narración ingenua, como la tensión de la revulsión que ésta provoca en nuestras mentes, porque nuestra época ya ha perdido la inocencia. Y, como sucede a menudo a quienes empieza a notárseles demasiado el esqueleto, hasta ese intento de fuga y revuelta acaba siendo un juego con la propia muerte, una máscara que se señala a sí misma con el dedo. Así se conforma este excelente trabajo, como una ficción que se denuncia a sí misma como ficción, como algo que no pretende aportar al mundo un sentido, sino mostrar que este parece imposible en un universo que cuestiona de manera continuada la propia continuidad, sea de la identidad, del tiempo y el pasado o de un sí mismo que es conciencia productora. Nadie tiene derecho a fijarnos o inventarnos Este juego mortal no está lejos del placer de su propio desvelamiento.

Marina Pastor. Junio 2009

XI EDICIÓ CABANYAL PORTES OBERTAS 2009

2008-11-30T11:07:00.000-08:00

La XI edición de Cabanyal Portes Obertes muestra las maneras de vivir del barrio al tiempo que busca "poner en valor" sus casas y edificios históricos a través del objetivo de 14 fotógrafos que se adentran en su interior.

Durante Agosto, Ester Torá y yo estuvimos haciendo un reportaje en ocho espléndidas casas del barrio del Cabanyal, la plataforma Salven el Cabanyal, personada en Maribel Doménech, nos invita participar en lo que será la onceaba edición de Portes Obertas, para esta edición han hecho un dossier , revista de las casa del Cabanyal, y en definitiva de la forma de vivir en Cabanyal.

Las instantáneas, recogidas en un catálogo, se proyectarán también en la antigua fábrica de hielo del Marítimo, junto a la primera exposición de planos del archivo Gosálvez-Romaní, realizados entre 1912 y 1947, y una serie de propuestas de jóvenes arquitectos para rehabilitar el barrio sin derribos.

(fotos de "El Flaco")

Estas emisiones se repetirán todas las tardes de 17-21 horas durante los fines de semana sobre una serie de pantallas gigantes que cuelgan desde los techos del edificio industrial.

(fotos de "El Flaco")

La nave albergará también la primera exposición de planos del archivo Gosálvez-Romaní, cuyos herederos han cedido para la ocasión más de 1.900 planos sobre los proyectos de construcción del Cabanyal dibujados entre 1912 y 1947

La ropa como signo para el reconocimiento

2008-11-30T08:07:00.000-08:00

“…La indumentaria es el medio a través del cual proyectamos públicamente nuestra identidad concreta: nuestra clase social, nuestro género, nuestra sexualidad…”

Richard Noble

Dentro de la intrincada red de símbolos y significados que sirven para hablar de la identidad, la ropa se constituye como un territorio más para la demarcación de la “opción elegida”. Aunque finalmente, el traje se convierte para el cuerpo, en regulador, en signo de reconocimiento, de pertenencia, como mecanismo social. En una dialéctica entre estandarización (uniforme), e identificación de la elección elegida. Y es que finalmente la ropa siempre es un uniforme.

“…Permite que nos confundamos con un grupo, nos protege…”

Maria Luisa Frisa[1]

El uniforme (la vestimenta) te valida dentro de un grupo, refiere inevitablemente a la atenuación de la individualidad. En una idea de identidad, que ya no viene dada desde el individuo, sino desde el grupo.

“…El uniforme ha hecho un milagro, ha transformado en héroe a un hombre…”

Maria Luisa Frisa[2].

En “Andamiaje de lo personal” la ropa se conforma más que como un signo de reconocimiento, como un espacio para la transformación del cuerpo, homogeneizándolo o no; desde el disfraz que tome la vestimenta, que repito, siempre será metáfora de cuerpo. En “Andamiaje de lo personal” la ropa se convierte en uniforme revelador que permite la asunción del rol presentado, relativizando el cuerpo a mera construcción de sujeción de esa ropa.

“…construimos imágenes de nosotros mismos y las proyectamos a través de nuestras apariencias, apariencias que ejemplifican la sumisión o el cuestionamiento de los roles sociales asignados y el posicionamiento, o no, dentro de la jerarquía establecida…”

J.M. García Cortes[3]

El cuerpo, la piel, como elemento también cambiante en estas transformaciones como consecuencia. Como generadora en mi trabajo, y consecuencia para mi vida. Siendo las fotos que presento en este proyecto, además, testimonio de esa transformación que ha acompañado a mi cuerpo, convertido en reseña temporal acumulativa, en el almanaque que es en “Andamiaje de lo personal”.

[1] “Destruir”. “Uniformes”. Revista Exit, nº 27. Septiembre 2007. Página 42.

[2] “Order and Disorder” Edizione Charta y Pitti Immagine, 2000. pp190-194

[3] “Construyendo Masculinidades” en el catálogo “Héroes Caídos, Masculinidad y representación”. Página 35.

Búsquedas narrativas en torno a la idea de identidad

2008-11-30T07:50:00.000-08:00

“…La identidad es un concepto inventado del siglo XX, que se refuerza después de la Segunda Guerra Mundial, partiendo de un paradigma de comprensión del mundo en términos estructuralistas. Es decir, sería el conjunto lo que dota de significación a cada uno de las partes, es él quién engendra partes y, por tanto, las precede…"

J.M. García Cortes[1]

La identidad es un concepto inventado, creado para justificar un lugar en la sociedad. La idea del yo, de ser individual, es un espejismo que responderá siempre a un modo estereotipado y canónico que nos hará sentir especiales desde una autocomplacencia que el rol nos posibilitará:

“…Los seres humanos necesitan dotarse de una identidad que les ayude a configurar una ubicación en la sociedad y les permita conocerse dotándoles de un sentido de pertenencia…”

J.M. García Cortes[2]

Los alter ego. Rrose Sélavy (Duchamp)

En los años 20 Duchamp se crea un “alter ego” femenino, con el cual cambiará su identidad y llegará a firmar muchas de sus obras: Rrose

Sélavy, así Duchamp da voz a su parte femenina, construyendo un rol femenino a base de los atributos superficiales de la feminidad.

Del mismo modo que Rrose Sélavy, la madre de mis personajes surge desde los artificios que esconden, por un lado, y desvelan por el otro: pelucas, pieles, uñas postizas y poses sensibles. Códigos de género que establecen la cara, como un bastión más de su representación.

“…El rostro es un lugar de disimulo, la superficie donde se inscriben las más extrañas simulaciones que componen la ficción del sujeto; un abismo que refleja la fragilidad del ser, la alteridad de su existencia, lo oculto de los significados, la precariedad de la identidad, la incertidumbre de la apariencia, la metamorfosis de la imagen, lo aleatorio de la evidencia...”

J.M. García Cortes.[3]

La otredad de Duchamp se convierte en mi trabajo en leit-motiv que da excusas a todas las narrativas de mis proyectos, a todas las “búsquedas narrativas” de mis propuestas y da lugar a la segunda línea de fotos que conforman este proyecto. Primero “la madre” interpretada desde una genealogía que evoca a imágenes antiguas, las únicas fotografías en blanco y negro, analógicas, coloreadas con acuarelas, en un relato que evoca al tiempo, y a la misma naturaleza de lo fotográfico. De algún modo, jugando con la capacidad innata de la fotografía de crear certificados de realidad.

“...Y es que si de algo es posible la fotografía es de ser creadora de realidades, si no pertenecen a la memoria, la crean...” “...la fotografía no solo inmoviliza el tiempo, sino que además lo bloquea, enseguida lo convierte en un monstruo, en un ritual...”

Roland Barthes[4]

. Las ficciones del yo. Representaciones de género: De Del LaGrace Volcano a Cindy Sherman

En una búsqueda casi catártica entre mi propia imagen surge la serie “primogénitos”: Tenía dieciocho años y el miedo propio de la edad a la propia imagen, esas fotos nacen casi en valor terapéutico. Y son el comienzo del todo el desarrollo que aquí presento: Esta serie de cinco fotografías que son prácticamente un almanaque, en el que yo, desde la circunstancias de lo físico represento una serie de roles en distintos modelos de masculinidad. Son el primer acercamiento a la fotografía con cierta idea de proyecto, son analógicas y no hay en ellas ningún tipo de retoque digital. Son las fotos más reales que he representado.

“…Esa identidad es provisional, siempre precaria, dependiente, constantemente enfrentada con una relación inestable de fuerzas inconscientes con significados sociales y personales...” J Weeks[5]

“Representando” un concepto de identidad no desde la asunción, sino una identidad construida, reflexionando sobre los valores que constituyen lo masculino. Desde esta serie de cinco fotografías (primogénitos), en pose frontal centrado y mirando a cámara, rodeado de espacios descriptivos de una designación social, recurro a entornos familiares -a mi cotidianidad- a espacios propios a mi biografía, fundiéndolos en estas ficciones del yo. Donde mis propios entornos se convierten en escenografías altamente connotativas y narrativas (el salón de la casa de mis abuelos, la calle donde mi tío siempre aparca su coche, el sofá donde mi madre se sienta a coser). Los lugares donde vinculo la construcción de esa identidad que ahora parafraseo y desmitifico. En unas fotos donde los personajes parecen recordar a los de Del LaGrace Volcano. Un fotógrafo transgénero cuyo trabajo, y su vida personal están basados en dar visibilidad a los espacios de diferencia entre los géneros. Ella, él presenta fotos de transexuales, de mujeres que viven como hombres llevándolo hasta los últimos designios de la imagen.

En sus fotos, como en las mías, salvaguardando las evidentes diferencias, imágenes realizadas desde los “valores de género”, que al final son un producto del entorno social, decisivo en nuestra propia comunicación, y que trasmitimos a través de nuestras apariencias; apariencias que ejemplifican la subordinación ante los roles sociales asignados, y el posicionamiento o no, dentro de la jerarquía establecida.

“…El hombre: masculino, la mujer: femenina (…) Lo masculino partícipe de todas las cualidades de lo sólido: claro, bien definido, limpio, delimitado, y sobretodo natural. Y sin embargo, lo femenino bien lo desarrollen los hombres o las mujeres, se presenta como algo extraño, indefinido y desconocido, sinónimo de fragilidad y pasividad (…) Lo femenino no es exclusivo de las mujeres ni lo masculino de los hombres…”

J.M. García Cortes.[6]

Masculinidad y feminidad que vienen dadas desde un proceso de aprendizaje, siendo una producto de la otra, definiéndose en una relación bipolar, sólo existentes en relación mutua.

La identidad nunca viene dada, sino que en cierto modo se va afianzando en relación a los otros. Y es que la masculinidad no es una esencia, no tiene un carácter universal ni constante, es cambiante de contenido, actitudes y comportamientos, que varían significativamente según contextos.

El sociólogo ingles Jeffrey Weeks, define perfectamente la problemática sobre la que circunda mi propuesta, y el término identidad al hablar de “Proyecto de identidad”, y de “búsquedas narrativas”

“…las identidades son “proyectos”,” búsquedas narrativas” “performances” (…) somos híbridos, lo que lejos de implicar una disolución del yo supone de hecho un reconocimiento de que la tarea de encontrar un ancla para el yo, una narrativa que de sentido a todas nuestras dispares pertenencias potenciales: es una tarea de invención y de auto invención donde el significado de lo que es ser un hombre se convierte en más problemático que nunca”

Jeffrey Weeks,[7]

Y eso es mi trabajo básicamente: “búsquedas narrativas”, desmitificando la idea de identidad personal, en torno a una disolución del yo, en torno a las ficciones del yo.

Cindy Sherman ha explorado a lo largo de todo su trabajo la idea de identidad, presentándonosla como algo que siempre es falso, parcial, banal y estereotipado, susceptible de hundirse o de deshacerse. Cindy Sherman -en la misma estrategia que yo he tomado, y siendo referente constante en la construcción de mi trabajo- lleva treinta años en deconstrucción de la identidad, renunciando a tener una imagen propia, multiplicando ésta hasta el infinito: empeñada en demostrar que la idea individual del yo, unitario y uniforme, no existe; sino que es una construcción imaginaria y ambigua, un juego interminable de reproducciones y copias, circunscribiéndose no ya a la idea del “yo”, sino, como mucho, a las ficciones del “yo”, de tal modo que a pesar de mostrarse así misma, no descubre nunca su verdadera identidad.

Cindy Sherman nos presenta una identidad colectiva, de la que cada uno se abastece, como en un depósito. El “yo” como una construcción imaginaria, que ella forma a través de estereotipos tomados de las imágenes de los “mass media” y de las imágenes modelo que la proliferante y caníbal iconografía colectiva de la mujer, presentada como objeto pasivo de la mirada. Alejándose de cualquier idea relativa a la autorrepresentación, ya que ni siquiera son retratos de nadie, representa a la mujer occidental contemporánea. Siendo este el tema central que genera su trabajo; siempre entorno a la representación de la mujer y de lo femenino. Un estudio de los valores de género, que también está presente en mi trabajo, pero que en ningún momento se convierte en el elemento central de la narrativa de mi propuesta.

Del mismo modo que ella, las imágenes que yo busco, no son de origen primigenio, son imágenes que aluden a otras imágenes. El espejo en el que yo busco mi reflejo, no es el mismo que el de Sherman. A pesar de los lugares comunes, y en la misma idea de imagen creada como un signo, como una cifra, como espacio para el simulacro y la denuncia, mis imágenes parasitan en lo biográfico: Los atributos de la mitología que voy presentando, son los atributos de mi mitología personal. Cuando me visto de militar, llevo el uniforme que mi tío llevaba cuando hizo la mili en la Guardia Real, cuando me visto de colegiala tomo la misma pose que mi madre en una foto de cuando tenia 12 años. Paralelamente a mi fotografía haciendo la comunión, mis hermanos pequeños también hacían la comunión.

El depósito del que yo me abastezco es mi propio álbum familiar, que no casualmente es igual que el de cualquier otra familia.

Psicoanálisis como estrategia artística. Michel Journiac

“…Tanto nuestra noción de lo real como la esencia de nuestra identidad dependen de la memoria. No somos sino memoria. La fotografía pues es una actividad fundamental para definirnos que abre una doble vía de ascesis hacia la autoafirmación y el conocimiento…”

Joan Fontcuberta[8]

Casi como en táctica de cronista, el artista francés Michel Journiac, refleja en su trabajo toda esa parte cinematográfica y literaria del psicoanálisis, convirtiéndolo más que en un método científico, en estrategia narrativa aplicable; como método de análisis crítico adaptable a la historia y la cultura: el Complejo de Edipo, el complejo de castración, el deseo fálico de las mujeres, el instinto de muerte…más allá de cualquier base empírica o científica, también para mi trabajo, se convierte en un lugar del que tomar citas y posturas y referencias para la articulación narrativa del proyecto artístico.

Michel Journiac desde un cuestionamiento de la construcción moral aleccionadora, y en todo un estudio sobre la imagen (las apariencias y la ropa) y la sociedad, plantea los mismos términos que yo trato en mi trabajo: La identificación a base de roles sociales, el cuerpo como objeto social, y la ropa como símbolo y como sistema de significación.

Journiac en “24 horas en la vida de una mujer ordinaria” de 1974 se traviste y realiza tareas cotidianas de mujer, en esta serie de 24 fotos de realismo sobrio y banal, parodia e ironiza, en torno a los sistemas de identificación. En “El incesto” de 1975, o en “Homenaje a Freud” de 1972 -exactamente igual a como yo lo podría hacer- representa todos los papeles de su familia travistiéndose para convertirse en su padre, madre e hijo, multiplicándose para identificar la idea de apariencia con la de camuflaje, como continua metáfora de la represión social que él expone en sus obras.

Mi trabajo en ningún momento trata de aludir al inconsciente -eje generatriz de las teorías del psicoanálisis-aunque supongo que sí que halla mucho de introspección (como en cualquier proyecto artístico lo hay), y seguro que Freud tendría mucho que decir sobre mis fotos. En cierto modo, mi trabajo tiene mucho de terapia, aunque tan sólo sea por la metodología en la que se genera.

Aludiendo a términos que el psicoanalista utiliza en su trabajo como herramientas de terapia, como la idea de “objeto, espacio transicional[9]”, noción en la que se fundamenta conceptualmente toda la gráfica que utilizo en la generación de espacio de la instalación[10], o la idea de “constelación familiar[11]”, desarrollada por Bert Hellinger, el creador de este método terapéutico que se fundamenta en la representación de grupos familiares, donde cada personaje que interviene en la terapia grupal interpreta un papel en la familia que se está analizando, y que casi de forma literal describe la narrativa que en mi proyecto utiliza para establecer la praxis casi de literatura, que articulando los distintos elementos que componen la instalación que proyecto en esta memoria, mediante una colección de fotografías que se van relacionando entre sí, como en un árbol genealógico.

Retratos ficticios. Keith Cottingham

De las primeras fotos, que realicé en el 2002, a las últimas que estoy vinculando a este proyecto han pasado cinco años, y en el desarrollo de este tiempo las fotos han ido cambiando: de los retratos frontales en blanco y negro, a retratos de cuerpo entero posando plácidamente. De poses frontales clásicas, a fotografías modelo, propias de fotógrafo dominguero, con fotomontajes que replican a lo real; finalmente, fotos que se sitúan en el vacío, sin espacios que las ambienten, en poses sobreactuadas, con personajes que van perdiendo los rasgos de identificación, convirtiéndose simplemente en pose, como los “Retratos Ficticios” de Keith Cottingham de 1992, en los que los modelos que posan están generados por ordenador, ahondando en esta idea, -que vengo planteando- de disolución de la identidad, produciendo ficciones que replican a la realidad. Configurando imágenes, identidades, ficticias, por manipulación digital, creando retratos que van sumando todo el ideario canónico, obteniendo rostros que representan una perfección no entendible, perturbadora.

El espejo que Keith Cottingham nos presenta no nos revela a nosotros mismos, sino a nuestras invenciones, construyendo imágenes desde el canon, como si fuera todo perfecto.

Los retratos que yo vengo representando, del mismo modo que Cottingham, a pesar de tenerme siempre como modelo, el cuerpo físico, referencial (real), éste cada vez es menos evidente, y los rasgos que lo evidencian cada vez menos característicos. Cottingham previamente construye un modelo en cera que escanea y que posteriormente recubre digitalmente de piel y pelo, y le acaba dando una apariencia puramente fotográfica. No existe el referente real, sino que éste se construye en la pantalla.

Yo, en mis fotografías, comienzo esta transformación desde el cuerpo físico, en un proceso completamente vivencial en el que voy perdiendo los atributos que me representa para tomar otros prestados, que se evidenciarán en la fotografía, la cual seguiré tratando una vez producida, prácticamente en la misma construcción ideática que Keith Cottingham.

[1] “El rostro velado. Travestismo e identidad en el arte”, Kulturnea, Guipuzcua, 1997, página 219. [2]“ El rostro velado. Travestismo e identidad en el arte”, Kulturnea, Guipuzcua, 1997, p.219 [3] “El rostro velado. Travestismo e identidad en el arte”, edit. Kulturnea, Guipuzcua, 1997, página 108. [4] “la Cámara Lúcida, nota sobre la fotografía”. Paidós Comunicación. Página 158. [5] “El malestar de la sexualidad”, Madrid, Talasa, 1993, página 295. [6] “Construyendo Masculinidades” en el catálogo “Héroes Caídos, Masculinidad y representación”. EACC. Castellón, 2002. Página 31. [7] “Héroes Caídos, Masculinidad y representación”. EACC. Castellón, 2002. Página 179. [8] “El beso de Judas, Fotografía y verdad”, Edit. Gustavo Gili, Barcelona, 1997, p.56 [9] Winnicott, D. “ Juego y realidad. Edit. Gedisa. Barcelona.1994 [10] un espacio entre interior e interno, concepto desarrollado posteriormente en el punto 2.6_1. “Elementos gráficos. Construyendo del espacio” página 65.

En torno a la idea de familia y de fotografía familia:

2008-11-30T07:39:00.000-08:00

…Familias numerosas, familias sin hijos, el divorcio, madres solteras, familias unidas, padres puteros, madres borrachas, negocios de familia, padres maltratadores, mujeres sumisas, hijos contestatarios, no hay nada más bonito que la familia unida, de buena familia, en familia, jefe de familia, familia real, familia monoparental, familias conflictivas, terrenos familiares, el matrimonio, las familias desestructuradas, familias huérfanas, familias en navidad. Bodas, bautizos. Cenas y comidas de familiares. Familias con pedigrí. Soltero, viudo, separado legalmente o divorciado. Joyas de familia, herencias, recuerdos de familia, una familia buena de toda la vida. El álbum de familia, tradiciones familiares, el hijo tonto, recetas de familia. La tía soltera, la madre viuda, el hijo muerto, el sobrino espabilado, el cuñado catedrático, el tío que murió en la guerra, la hermana listilla, la vergüenza de la familia, el día de la primera comunión, el secreto familiar, los genes, el parecido familiar, hijo solo hijo bobo, la familia política, el régimen patrimonial del matrimonio, la calificación de los bienes de los cónyuges y la suegra arpía. La madrastra cruel, la misma nariz que la abuela, la deshonra de la familia, la oveja negra, cosas de familia, en todas las casas cuecen habas, el hogar, la familia feliz. El hijo primogénito, el hijo adoptado, la madre primeriza, una familia tradicional, padres controladores. Unión libre y concubinato, derecho a pensión. El estado de familia, en estado de buena esperanza, el derecho de familia…

El punto de partida, el elemento generador de toda la praxis narrativa del proyecto que aquí presento, es la idea de familia, y la fotografía familiar. Como tropo, como lugar común y finalmente, como espacio en el que se deposita la conciencia de la identidad individual, que me sirve como táctica narrativa. Como concepto que va entrelazando en forma de rizoma cada fotografía entre sí, y éstas con el espacio, y cada unos de los elementos que conforman el cuerpo de la instalación.

La familia como común denominador, como espectro de identidad, como elemento omnipresente. Familia que aunque desintegrada, desestructurada o mutada en su concepto actual, es un elemento siempre circundante, que establece lazos, o más bien nudos, que nada tienen que ver con la consanguinidad, sino con lo valores de sociedad, y los atributos de lo simbólico.

Y es que el rey es rey, cuando tiene corona y trono, y la madre es madre, no ya cuando te pare, sino cuando te peina para que te vayas al colegio “hecho un pincel” -según el modelo anquilosado en los “telefilmes” americanos-. Pero hay más modelos igual de canónicos -un padre no es padre si no te pega o abusa, y un hermano no es hermano, si no roba al encantador benjamín de la familia para ayudar a pagarse sus vicios...se me ocurre pensar en la bonita estampa navideña que formaría la familia del Rey Lear en la cena de Nochebuena, con apasionadas conversaciones sobre la gestión de los terrenos de papá, en el abrazo amoroso que le daría Edipo a su mamá, o en ese valor tan simbólico llevado al extremo, literal, de lo de “carne de su carne”, que el cariñoso papá Saturno tenía con sus hijos, o cualquier otra historia de la mitología clásica o la iconografía religiosa de Padre, Hijo y Espíritu Santo; siempre argumentadas desde un narrar donde las historias de consanguinidades establecen y explican los aconteceres, de forma inseparable al término “familia”, definiendo esa idea de familia como lugar espectral, común y omnipresente, bien sea desde el organigrama Zeus/Era, desde el misterio de la Santísima Trinidad, o desde cualquier árbol genealógico de nuestra propia historia familiar.

La familia como estructura intangible que se va regenerando a la vez que genera residuo, poso; a la vez que compone documentos que la legitimizan.

Rosa Olivares[1] establece una relación significativa entre patria y familia, la patria como un lugar al que volver, pero también, como aquello que te da una nacionalidad, y al fin y al cabo eso es la familia, no sólo atendiendo a aspectos físicos y biológicos, sino como aquello que explica de forma inexorable hábitos y conductas. Familia no sólo como punto de partida, en un valor condicional de destino/herencia que te aporta un origen, sino también, como andamio que apuntala y sostiene toda una mitología de lo personal que se despliega a través de las imágenes (¿fotografías?) que forman el álbum de familia, como atributos de lo que en él se representa. La patria te da el DNI convirtiéndote en persona física, y la Familia, te da un “Álbum de fotografía” el cual, se supone preservará, afianzará y explicará la otra identidad que no te aporta el DNI.

Familia, como estructura social común a todas las culturas, reproducida y desarrollada en todas las religiones; familia como institución social aceptada, originaria y originadora de una idea identitaria de lo personal, construida a través de lo justificado desde unos antecedentes (genealogía).

La familia es una institución[2]. Un orden que más allá del ornamento de la Ley, y que en la fotografía de familia se ha ido moldeando y definiendo ya desde sus orígenes, en todo un código deontológico en torno a las imágenes que se van a encargar de preservar la “idea de familia”.

El álbum de familia dice y repite sin cesar: somos una familia armónica y feliz. La fotografía de familia convierte los buenos momentos en buenos recuerdos. El empleo de la fotografía familiar es una herramienta de construcción de los buenos momentos. El primer contacto con la cámara y con la fotografía, transcurre dentro de los límites de la fotografía del álbum de familia, por lo que sus reglas se aprenden de forma innata, y sus dogmas de forma natural, no produciéndose nunca un cuestionamiento de éstos.

La foto de familia a pesar de ser una práctica tradicional e ingenua, se sitúa más allá de un ideal estético, documental.

“…La fotografía familiar no es un documento ni en su finalidad ni en sus modos, sino que se trata de imágenes sentimentales que pretenden convertir en trascendentes las emociones de los momentos y de las personas sacándolos de lo cotidiano…”

Don Staler

El fotógrafo familiar no es un fotógrafo devoto. La fotografía familiar es un ritual más que una mera foto. Estamos tan acostumbrados a la rutina de sus ocasiones y de sus poses, a los estereotipos de supuesta inocencia que no nos interrogamos acerca de su significado, ni de las razones que sostienen su existencia y determinan su modo de ser. La fotografía familiar se encarga de jerarquizar y solemnizar la ocasión, convirtiendo siempre lo representado en ellas en liturgias. Las fotos de familia están investidas de un valor singular que las aproxima al fetiche: Poseen una cualidad que hace que deshacernos de ellas, romperlas, parezca un acto brutal e irreparable.

Fetiches que se retroalimentan de nuestra visión y que a pesar de que todos los álbumes de fotos son truculentamente parecidos -por lo estricto de lo dictaminado por el propio género-, delante de las fotos de una familia ajena tenemos la impresión de estar delante de algo muy conocido, por lo asimilado que está el código no experimentamos su valía del mismo modo que cuando estamos nosotros representados. Las colecciones familiares de fotografías son propiedad indivisible que se atesora, que nos acompaña a lo largo de toda nuestra vida, y que pasa de generación en generación.

Las fotos de familia tienen un valor intrínsecamente ligado a lo privado. Son imágenes que la familia produce de sí misma para sí misma: no significan nada para otros fuera del referente sentimental, mágico, que lo convierte en fetiche. El interés de la fotografía familiar cambia cuando es vista fuera de la familia que la genera. Una foto de esta índole fuera del hábitat originario se convierte en otra cosa, donde el nivel de cognición de lo representado es más atribuible a la carga simbólica que toma como objeto, como cuerpo matérico y conceptual, -altamente connotativo- referente a la idea universal y genérica que la motiva. Aunque no sea una foto de tu familia, el hecho de ser fotografía familiar la legitimaza como elemento de una fuerte carga poética y discursiva, valor incuestionablemente implícito por la capacidad de recurrir a lo íntimo.

“…el álbum de familia supone una relación privilegiada con el tiempo, una idea de que la identidad se construye a través de la continuidad y la memoria. Las imágenes mismas tienen status de icono: imágenes con aura y halo, irremplazables y cargadas materialmente de pasado…”

Juan Miguel Sánchez Vigil[3]

Rosa Olivares [4], dice que el único sitio en el que se puede encontrar esa imagen de “familia Feliz” anquilosada en el imaginario colectivo, aparte de en los altares laicos de las madres coleccionistas de fotos familiares, es un restaurante chino. “Familia Feliz” es un clásico plato de Chino “cutre” de menú del día 5 euros. Familia Feliz es un plato sin sabor propio, en el que se encuentran distintos ingredientes tanto carne como verduras, algunas gambas, pasta… en definitiva lo que va quedando en el fondo de las cacerolas. La comparación le sirve a la autora para establecer otro aspecto indispensable dentro de la construcción de la unidad familiar:

(… Tal vez en la vida como en los restaurantes chinos: cuando no sabemos si queremos pato, o no podemos pagar ostras, nos quedamos con la Familia Feliz. Al fin si todo el mundo lo pide y lo come no puede ser tan malo…)

Rosa Olivares[5]

Familia como matraz de relaciones humanas y modos. Familia, como caldo de cultivo donde los distintos elementos que la componen pierden en cierta forma su identidad individual para conjugarse en una amalgama amorfa y heterogénea, que ha de presentarse y resurgir como una forma sólida, bien definida, construida desde la bonita ilusión de amor incondicional.

Al final, siempre hablando de representaciones, de imágenes, de construcciones de una realidad que se forma con el fin de convertirse en emblema, en “imagen”, dentro de las dos acepciones del término, tanto la relativa a la de construcción visual, como a la de efigie sagrada. Ya que al fin y al cabo, el cabeza de familia, o la misma institución abstracta de familia en sí, escogerá como imagen representativa de ese módulo familiar, una imagen ejemplar, un retrato ejemplar -como los del siglo

XIX-, como iconos de un credo que adoctrine a los hijos de cómo deberían de ser o estar, y es que el padre elegirá la pose que ha de poner su familia ante el tiempo y las miradas ajenas, reivindicando su categoría y su estatus como cabeza de familia o como institución familiar en sí. Y es que el concepto de “Familia” se ha engullido a los miembros que la forman, constituyéndose como tumor amorfo, estableciéndose siempre como modelo, en continua definición y redefinición, que en cierto modo siempre provendrá de un canon, en una conversión a imagen.

“…me construyo en el acto de “posar”, me fabrico instantáneamente otro cuerpo, me transformo por adelantado en imagen (…) la fotografía crea mi cuerpo o lo mortifica…”

Roland Barthes[6]

“Nos construimos en imagen” -nos construimos en el acto de posar; bajo “la presión brutal de ser fijados” respondemos con la pose, disponiendo el cuerpo y los gestos a ser imagen; gestos que en el plano de la imagen son más significativos. Disposición a imagen que no sólo viene dada en el posado para una foto, donde parece más obvio, sino que es una construcción relativa a cualquier “puesta en escena”, en la que la familia haya de ejercer como tal -la fotografía familiar toma la misión de ser encarnación de este sometimiento: toda fotografía familiar dentro de los dogmas que la designan lleva asociada una conducta de ordenamiento-.

Colocando los retratos de la familia sobre el escritorio de la oficina decimos (a uno mismo y a los demás): “amo a mis hijos”. Decimos, también (a uno mismo y a los demás): “construí una familia feliz”, soy su jefe y su sostén. Siendo estas imágenes, simultáneamente, signos de éxito y de responsabilidad.

La foto de familia se exime de su compromiso documental. No nace en búsqueda de la verdad, sino como deseo y constatación de “familiafeliz” siempre alegre, no problemática y exenta de dolor. Siendo no material documental, sino un documento en sí.

El álbum de familia es un espejo que ha de devolvernos una imagen tranquilizadora de normalidad, eficiencia, decoro y orden.

1] Directora de la Revista Exit, en la editorial de la revista monografía entorno a artistas que vinculan su trabajo a la familia, Exit Nº 20, “Familia” 2005. [2] Familia en Derecho, es el grupo de personas unidas por vínculos jurídicos, en medida y extensión determinada por la ley: en definitiva “lo familiar de la familia” está Regulado por la Ley-. El vínculo biológico es el elemento primario, básico, pero el vínculo jurídico prevalece sobre el vínculo biológico, por más que se encuentre condicionado a él ya que lo califica. La calidad de miembro de la familia depende de la ley y en su definición dentro de una naturaleza jurídica siempre se plantean términos como sujeción, convivencia, parentesco, filiación: La idea de orden es inexorable a la idea de familia.- (3]“El universo de la fotografía”, Espasa, Madrid, 1999, p184. [4] Directora de la Revista Exit, Editorial de la revista monografía entorno a artistas que vinculan su trabajo a la idea de familia, Exit Nº 20 “Familia” 2005. [5] Directora de la Revista Exit, Exit Nº 20 “Familia” 2005. [6] “la Cámara Lúcida, nota sobre la fotografía”. Paidós Comunicación. Página 41

Definición de la linea de trabajo

2008-11-30T07:34:00.000-08:00

“Se disfrazaron de si mismos para parecerlo todavía más”

José Bergamin

Siempre “Autorretratos”. Donde la fotografía como medio primigenio para la investigación se convierte en el escenario, que da cabida a narraciones que -inevitablemente en primera persona- parafrasean lo relativo a una identidad sostenida desde la ironía, el sentido del humor y un exhibicionismo en el que el cuerpo y la cara se convierten en una “reconstrucción/deconstrucción del yo”.

En un juego con la identificación y la mímesis; en una representación de múltiples roles, personajes e identidades, en las que el disfraz se convierte en ironía crítica. El rostro como estrategia autobiografía, no ya sólo como último refugio de la identidad y de lo que nos hace reconocibles, de la diferencia individual, sino como territorio para la representación de la vida de los otros o con los otros.

Como estrategia plástica, una idea de proyecto, de proceso, que ya desde su definición formal ha de ser forzosamente biográfica, en una narrativa no del desvelamiento , sino de intersticios; en una forma de relatar que implica ausencias, omisiones y relaciones evidentes, que al final, hablan más de lo que no se cuenta, que de lo explícito en el texto plástico.

Utilizando la idea de familia como caldo de cultivo donde el investigador alterará las variantes para ver como reaccionan los componentes. La familia como un ámbito de lugares comunes, como contextualizador formal del proceso creativo en un “efecto mariposa”, donde los valores de sociedad y los atributos sobre lo que se sostiene la idea individual y firme de el “yo” respondan en enfrentamiento con los “alter ego”, que desde lo lúdico y cómico de todo el planteamiento formal, contestarán cuestionando la pregunta formulada de una manera irritante.

En un vínculo íntimo con el espacio (fotografía-instalación) que transfigurará las imágenes de mi trabajo en imaginería; y el lugar, el espacio, en escenario, en lugar de los hechos; donde términos relativos a la construcción -andamiaje, escenografía, sujeción, cimentación, habitación- se convierten en palabras clave del desarrollo de los recursos metafóricos y simbólicos de mi propuesta.

Trabajando siempre circundando a la idea de retrato. Retratos como género, pero también agenéricos, como algo que va más allá, e incluso “al más allá” de la mera representación. Un retrato habla de aquello que quieres enseñar, es un acto de exhibicionismo, surge del bienestar consigo mismo, o quizás de todo lo contrario. Puede ser el retrato de un antepasado, la materialización de un recuerdo; puede ser un retrato de familia, ejemplificador ante unos hijos de cómo deberían de ser o estar. Y es que el padre elegirá la pose que ha de poner su familia ante el tiempo y las miradas ajenas, reivindicando su categoría y su estatus como cabeza de familia.

La actitud, la postura, el posado en el que te exhibes para que todo el mundo te vea, escondiendo todo aquello que necesitas ocultar, pero también exponiendo una porción de ese secreto... dando a pensar qué hay en esa parte de la cara que no se ve cuando te pones de perfil, obligando a intuir al malpensado, que estás tuerto si sales en tres cuartos.

El problema, es cuando el tuerto enseña su ojo de cristal, la fea sus verrugas, el travestido sus pechos de goma, la familia a su oveja negra.

¿Qué oculta el que enseña dignamente su secreto? -haciendo cuestionar al malpensado, si es un acto de sinceridad, o por lo contrario el truco del mago, que mueve la mano derecha para evitar que miren a la izquierda, mientras hace el truco, mientras hace práctico el engaño.

Y es que, quizás, detrás del burgués retrato de familia donde todo el mundo sale sonriendo y bien vestido, puede haber una familia elegante y feliz, y no una truculenta estampa de padre maltratador y madre alcohólica -que el receloso esta obligado a ver por su pericia, pericia sobrentendida y obligada para el entendido-. Pericia que condiciona y repliega sobre sí misma la narración que vengo proponiendo; y desde aquí me sitúo para entender, explicar y reflexionar sobre mi trabajo:

-Desde el tópico, desde el estereotipo, desde una “comedia del arte”[1] como la de Copeau, donde todos los personajes son lanzados a la dramatización, a la vida, con la única pauta de interpretar el modo que les ha tocado, relacionándose unos modos con otros.

-Desde la mirada del malpensado.

-Desde la condena que supone asumir lo propio por sobrentendido, pero también desde el estereotipo que nos dice que no sabemos nada de nosotros mismos.

-Desde la irreal necesidad de cambio, marcada por el canon.

-Desde las posibilidades de lo idílico o lo trágico.

-Desde la necesidad de sentirse especial y querido.

-Desde el condicionante de lo físico y la posibilidades que presentan las circunstancias intrínsecas de lo que nos gustaría ser y somos.

-Desde una narración de identidad de género que se explique en relación a una masculinidad y a su representación, que apueste por la ambigüedad y la naturalidad y rechace ideas fijas.

-Desde una posición ante los géneros que explique los distintos modos posibles sin uno hegemónico, que se sustente sobre los demás.

-Desde una naturalidad buscada e interpretada desde artificios, donde el hecho natural se convierte en algo imposible de ser casual o inmediato, removiéndose entre ficción y mentira; entendiendo lo artificial y la artificiosidad como la única forma de vivir con naturalidad.

-Desde una realidad que se convierte en algo meramente anecdótico, que no da valor añadido, ni lo quita, haciendo de la mentira una forma de sinceridad innata que habla no de lo que somos, sino de por qué somos lo que somos y qué nos gustaría ser.

- Desde una idea de deseo que se mantiene como la única verdad universal, por el mero hecho de ser cambiante e irracional.

-Desde una memoria mentirosa utilizada como recurso plástico que dé excusas para existir a mis propuestas; remontándome a una realidad también ficticia, que se mantenga sobre lo que constituye lo que realmente es real.

-Desde una búsqueda morbosa entre los recuerdos e imágenes reminiscentes del pasado, que expliquen y cuestionen lo que soy.

“…La memoria es el territorio de lo ya sabido. La rememoración, la reminiscencia es una actividad activa. Se intenta recuperar algo que estaba, algo que se sabía pero que ya no se sabe, porque se ha olvidado (…) Rememorar implica un esfuerzo, o una búsqueda voluntaria entre los contenidos del alma…La rememoración implica un esfuerzo…”

Paolo Rossi [2]

[1] Estructura teatral en la que los personajes interpretan su papel con espacio abierto para la improvisación. Los actores tienen un repertorio de frases y bromas sobre los cuales construyen su papel a partir de un arquetipo.[2] “El pasado, la memoria, el olvido” Nuevas visiones, 2003 página 23-24.

recibidor # Elegancia y SabeEstar

2008-11-30T00:17:00.000-08:00

Fondo fotográfico montando en portafondo

acrílico sobre lienzo

280 x 370 cm

El rincón de los caracteres/inauguración

2008-11-30T00:15:00.000-08:00

Queda inaugurado desde el jueves el rincón de los caracteres, en el instituto francés de Valencia, Giul, Jose y Bego hacen del acto de presentación toda una ceremonia, el director del IFV Pascal Letellier, del quien ha sido la idea de generar este esapcio es el maestro de ceremonias, y los indespensable Ester Torá y Stéphane Segreto como columnas vertebrales de la intitución que acoje el espacio hacen del acto un día inolvidable...

Durante un año el espacio estará en funcionamiento, en este tiempo se irá plagando de libros e irá creciendo, a medida de que los objetos vayan apareciendo en callejones y rastros, un espacio generativo que partirá de su uso como elemento que lo dé sentido

2008-11-30T00:14:00.001-08:00

El Instituto Francés de Valencia, en una ataque de energía creativa renovadora - o de locura- me encarga que les monte una pequeña escenografía para el hall del edificio, que también hace las veces de sala de exposiciones.

La idea es construir una especie de rincón de lectura, de pequeña librería, pero también de sala de estar.

El director me da como directrices, crear un espacio acogedor, de atmósfera barroca (… a mi, barroco a mí…) y un tanto kitsch ( …kitsch, a mí kitsch?…) así que cojo el presupuesto, monto algo parecido a un proyecto y rápidamente, antes de que les empiece a entrar miedo…saco del baúl unos telones de terciopelo de intenso olor a naftalina, que antes pertenecieron al teatro principal, unos sofás rojos rescatados de rastros y lámparas de distintas formas y alturas… y el miedo en el instituto se iba formado…pero ya era tarde…; una alfombra de flores rosas lilas y blancas…un gigantesco marco de un aparador …pero es tarde, el miedo no sirve de nada, todo el hall del instituto francés huele ya a naftalina…

La semana próxima estará terminado.La idea es que dure un año allí, y durante este tiempo se transforme y mute, a la vez que se van recolectando enseres de distintas índoles y procedencia…a ver a que llega.

puntas de flecha

2008-11-30T00:13:00.000-08:00

NOÉ BERMEJO - 'Puntas de flecha'

Nuevas Trayectorias en el Arte Contemporáneo Valenciano

Del 4 de noviembre al 13 de diciembre de 2009

Inauguración: Miercoles 4 de noviembre a las 20:00h

Atarazanas

Plaza Juan Antonio Benlliure, s/n. 46011 Valencia

PUNTAS DE FLECHA es un proyecto con el que se pretende realizar un escáner en el panorama de la creación contemporánea, destacando algunas de las nuevas trayectorias que están desarrollándose en la Comunidad Valenciana.

La renovación generacional y de discursos en el panorama del arte contemporáneo valenciano hace necesaria una revisión, una mirada atenta a las nuevas trayectorias que se están comenzando a desarrollar, destacando a 25, entre los que se encuentran jóvenes artistas nacidos en esta comunidad asi como algunos que la han elegido como lugar de formación y residencia. El resultado es una exposición que servirá para tomar el pulso de la joven creación artística valenciana, promoviendo además la edición de un estudio multidisciplinar que aporte y apoye, a través de la crítica del arte, una visión de conjunto de este panorama en ciernes.

Artistas:

María Llanos Alonso, Art al Quadrat, Raúl Belinchón, Pablo Bellot, Noé Bermejo, Estefanía Bustos, Regina de Miguel, David Ferrando Giraut, Carlos García, Patricia Gómez / Mª Jesús González, Fermín Jiménez, La Tejedora CCEC, Miriam Lozano, Javi Moreno, Ángel Pastor, Vanessa Pastor, Lucía Pla, Jesús Rivera, Paloma Rueda, Sara Sanz, Anna Talens, Álvaro Tamarit, Vicente Tirado, David Trujillo, Nelo Vinuesa / Samuel Ortí.

Críticos:

David Arlandis, Alba Braza Boïls, José Luis Clemente, Helena de las Heras, Álvaro de los Ángeles, Ricardo Forriols, Daniel Gascó, José Luis Giner, Maite Ibáñez, Javier Marroquí, Bárbaro Miyares, Marina Pastor, David Pérez, Isabel Pérez, Agustín Pérez Rubio, Carmen Prats, Eduard Ramírez, Joan Robledo Palop, Ricard Silvestre, Isabel Tejeda, Rosalía Torrent, Salva Torres, Rosa Ulpiano, United Artists from the Museum, Virginia Villaplana Ruiz.

entrevista nonsite

elegancia y saberestar

2008-11-30T00:12:00.001-08:00

El timo de la estampita

2008-11-30T00:11:00.001-08:00

La Tejedora CCEC / Hechoenoaxaca

Inauguración:

viernes 23 de Octubre 2009 - 20.30 horas

Sala LA PERRERA C/En Plom Nº 9. 1º VALENCIA

En la segunda exposición de la temporada, La Perrera les ofrece un sugerente souvenirs : estampitas religiosas valencianas e imaginería turística mexicana. Les aconsejo que no compren nada, no sería bueno para su salud; bajo su apariencia algo tópica, estas imágenes son tóxicas. Sólo de lejos podrían confundirse con bellos recuerdos de un viaje y un sueño: de cerca ilustran el mundo al revés.

LaTejedoraCCEC y Hechoenoaxaca son dos colectivos alejados geográficamente, pero unidos en su ironía. Aunque son muchas las cosas que los diferencian, ambos hacen de la autoedición una herramienta para difundir sus proyectos tan lejos como el servicio postal les permita. Colonizan, con sus dibujos raros, pisos abandonados y antiguas fábricas de cal, y trabajan en los márgenes de lo que ha pasado a llamarse, muy a su pesar, industria cultural. No quieren formar parte de la oferta turística de la temporada: las ediciones portátiles que presentan en la sala tratan de esquivar los tópicos que acechan a su región. Cada uno, eso sí, a su manera.

LaTejedoraCCEC es un colectivo creado para organizar exposiciones y eventos sui generis (More or less, Costuras, Bordilíneos, LaFurgoneta, El Torito, Después de Usted) y que ha desarrollado su peculiar (anti)estilo tratando cada proyecto como quien planea una campaña publicitaria, atendiendo tan sólo a su merchandising: El Rodete més gran del Món es su mejor ejemplo. Desde que se fundara en 2005 en Valencia, ha ido creciendo hasta acoger a trece artistas: Mik Baro, Noé Bermejo, Juanli Carrión, Sergio Luna, Joseto Martínez, Alfonso Martínez, Yasmina Morán, Giuliana Origgi, Inés Parcero, Tubal Perales, Marta Pina, Lorenzo Sandoval y Ester Torá.

Ante la dispersión natural de sus miembros, y debido a los numerosos contactos que mantienen con otros colectivos, su blog http://latejedoraccec.blogspot.com/ es hoy el nexo que mejor los define. En La Perrera presentan El timo de la estampita, una edición de estampas religiosas que da nombre a la exposición, y que han manipulado sin piedad, quién sabe si para dibujar su hagiografía particular o por el simple capricho de trazar un via crucis por la sala.

Detrás de la etiqueta comercial Hechoenoaxaca se cobijan una veintena de artistas conectados a la bella ciudad turística mexicana de Oaxaca, que quieren trabajar al margen de los tópicos de una zona asediada por los clichés. No son un colectivo al uso, sino un conjunto de afinidades electivas reunidas por Saúl Hernández en el momento en que, sin previo aviso, decidió crear la página www.hechoenoaxaca.org como plataforma de difusión online, a modo de galería virtual y archivo de inquietudes.

Hechoenoaxaca presenta en La Perrera un kit de estampas en miniatura con las propuestas más relevantes de la joven escena oaxaqueña, y que gracias a su formato portátil, se encuentra de gira por todo el Hemisferio Norte. En el kit participan los artistas: Alfonso Barranco, Enrique Canseco, Jorge Castellanos, César Chávez, Pablo Cotama, Miguel Ángel Frausto, Moisés García, Charles Glaubitz, Joel Gómez, Sr. González, Mariana Gullco, Luis Hampshire, Saúl Hernández, Lapiztola, Morelos León Celis, Mako, Rolando Martínez, Txema Novelo, Carlos Ortega, Ana Belén Paizanni, Ángela Sánchez de Vera, Rosa Vallejo y Jessica Wozny.

Pasen y vean.

Esta fue mi estampa y mi intervención sobre ella, una edición de 20 ejemplares que tomaron cuerpo junto a las de mis compañeros de LaTejedora CCeC en una caja que automaticamente se convirtió en relicario de LaTejedora

Los votos de perpetua castidad y los ayunos de los Sábados que reza la biografía de la Santa Margarita María de Alacoque, se transforman en mi trabajo, en otra hagiografía, ahora profana, pero completamente litúrgica... jugando, como siempre, con la la doble autorepresentación, convirtiéndome en hacedor de mi propio milagro, tomo prestadas las poses de la estampa y me superpongo en ellas a su escala recortando siluetas a tres niveles distintos efectuando un juego que cita a los trabajos manuales de las amas de casa y a esas increíbles laminas 3D que realizaban a base de recortes y siliconas.

En su versión más expositiva, para la sala, multiplico los niveles de ese rudimentario juego 3D , con el papel como único recurso, con el que también confecciono este pequeño altar para mi propio milagro

Fotos cortesia de Ángela Sánchez de Vera, gracias!

(previos_madre) elegancia y saberestar

2008-11-30T00:11:00.000-08:00

(previos_padre) elegancia y saberestar

2008-11-30T00:09:00.000-08:00

"ap-memoriam"

2008-11-30T00:07:00.000-08:00

Instalación compuesta por colección de fotografías montadas en distintos soportes.

Fotografía y mobiliario

Año 2002/2009

“”Como hemos cambiado”, vaciones del 82””

28x16,5 cm. (Foto). 24x12,5cm. (Exterior) Fotografía.

Impresión digital Montada con cristal en moldura de madera

Valencia, 2004

“Madre e hijo, “mientras que yo viva no te faltará de nada””

27 x35,5(Foto). 28x13 (Exterior)

Fotografía. Impresión digital

Montada con cristal moldura de madera

Valencia, 2002

“Descanso dominical en pareja”

22x16,5 cm. (Foto). 17x12cm. (Exterior)

Fotografía. Impresión digital

Montada con cristal en moldura plateada

Valencia, 2004

“Luna de miel”

34,5x 28,5 cm. (Foto). 9x12cm cada una (Exterior)

Fotografía. Impresión digital

Montadas con cristal y paspatú en moldura de madera

Valencia, 2003

La nuera

22x17cm. (Foto). 32x27 cm. (Exterior)

Fotografía. Impresión digital

Montada con cristal y paspatú en moldura plateada.

Murcia, 2009.

La nuera y la suegra.

22x17cm. (Foto). 30 x 35 cm. (Exterior).

Fotografía.Impresión digital.

Montada con cristal y paspatú en moldura de pvc plateada.

Murcia, 2009.

(previos) la nuera y la suegra

2008-11-30T00:06:00.000-08:00

Encontre esta foto en la calle hace años, desde entonces lleva dando vueltas por mi habitación, de cajón en cajón y de estante en estante, por fin mi sentido homenaje:

Una nueva foto, llena de la truculencia propia de la cotidianidad, que en breve que se unirá a la serie ap-memorian

Mil gracias a la familia Torá, que además de prestarme la cocina, me sufrieron mientras se ocuparon de todo.

Elena, que a la pobre la tocó lavar todos sus calcetines después de que me sirvieran como relleno para el sujetador de la voluptuosa suegra, y a Mari Ángeles y sus práctica durante toda la infancia acicalando a la Nancy, que por fín encuentran salida: no te preocupes si lo de la aparejación no funciona, aquí hay trabajo!

Gracias Edu por hacer de chofer recién llegadito de los Estados Unidos de América

prueba de distintos estilismo definitorios de los dos personajes , previos al afeitado

como siempre, mil gracias Ester

"reliquia familiar"

2008-11-30T00:05:00.001-08:00

En esta serie el artista representa a modo de fotonovela, una acción.

Dentro de un liturgia familia: “El día de su primera comunión su madre la regala una reliquia de familia, un antiguo espejo de mano. Se lo coloca entre las piernas, y allí se encuentra, en el lugar del reflejo de sus genitales, a toda su familia posando

Reliquia familiar 01 (la entrega)

Fotografía. Impresión digital.

40 x40 cm.

Montado con moldura y marco

Valencia 2008

Reliquia familiar 02 (la entrega)

Fotografía. Impresión digital.

40 x40 cm.

Montado con moldura y marco

Valencia 2008

Reliquia familiar 03 (la entrega)

Fotografía. Impresión digital.

40 x40 cm.

Montado con moldura y marco

Valencia 2008

Reliquia familiar 04 (la entrega)

Fotografía. Impresión digital

40 x40 cm

Montado con moldura y marco

Valencia 2008

Reliquia familiar 05 (la entrega)

Fotografía. Impresión digital

40 x40 cm

Montado con moldura y marco

Valencia 2008

Reliquia familiar

Fotografía. Impresión digital

50x40 cm

Montado con moldura blanca y cristal

Valencia 2008

Reliquia familiar

Fotografía. Impresión digital

50x40 cm

Montado con moldura blanca y cristal

Valencia 2008

""como hemos cambiado " vacaciones del 82""

2008-11-30T00:05:00.000-08:00

“”Como hemos cambiado”, vaciones del 82””

28x16,5 cm. (Foto). 24x12,5cm. (Exterior) Fotografía.

Impresión digital Montada con cristal en moldura de madera

Valencia, 2004

en junio del 2004.

Amdeu como chofer, Helena como atrezzista y maquilladora, Rafa de documentador y Ester de cámara

"descanso dominical en pareja"

2008-11-30T00:04:00.002-08:00

“Descanso dominical en pareja”
22x16,5 cm. (Foto). 17x12cm. (Exterior)
Fotografía. Impresión digital
Montada con cristal en moldura plástico
Valencia, 2004

“Descanso dominical en pareja”

22x16,5 cm. (Foto). 17x12cm. (Exterior)

Fotografía. Impresión digital

Montada con cristal en moldura plástico

Valencia, 2004

/detalle/“Descanso dominical en pareja”

22x16,5 cm. (Foto). 17x12cm. (Exterior)

Fotografía. Impresión digital

Montada con cristal en moldura plástico

Valencia, 2004

durante la sesión de "descanso dominical en pareja"

Ester Torá detrás de la cámara

Valencia, 2004